« Paysages urbains, ambiances industrielles, ruelles secrètes... laissez-vous emporter par le charme de l’atmosphère nocturne et de ses lumières inhabituelles. »

Pas de photographie sans lumière… Faut-il pour autant ranger son boîtier la nuit tombée ? Bien sûr que non. Transformés par les éclairages artificiels, les lieux que vous avez arpentés mille fois prennent un tout autre visage, surprenant, inconnu, parfois très graphique.

Guidés par les conseils de Vittorio Bergamaschi, vous saurez progressivement faire les bons réglages, apprentissage indispensable pour retranscrire fidèlement les couleurs de la nuit – ou au contraire transfigurer le réel pour créer des scènes oniriques ou mystérieuses – et utiliser le matériel adéquat. Ce spécialiste des balades photographiques by night vous expliquera également comment composer avec les ombres et mettre en valeur le peu de lumière disponible.

Photographe spécialisé en nature morte et en architecture, Vittorio Bergamaschi collabore avec les plus importantes agences de publicité françaises. En 2008, il fonde Stage Photo Paris (www.stagephotoparis.fr), dédié à la formation photo. Ce livre est le résultat de nombreuses années d’enseignement de la photographie nocturne.

AU SOMMAIRE

Matériel et techniques : les appareils, RAW ou JPEG ?, exposer pour la nuit, la balance des blancs, les paramètres du boîtier

La nuit en ville : choisir le sujet et le mettre en valeur, choisir un format d’image, la ville ancienne, la ville contemporaine, la ville surprise

Aux portes de la ville : s’éloigner des lumières urbaines, les ports, la mer, isoler un sujet, composer avec le vide

Les couleurs de la nuit : comment la nuit maquille le réel, la lumière du crépuscule, créer la surprise, laboratoire numérique

La nuit monochrome : renoncer à la couleur, laboratoire numérique, Silver Efex Pro

Vittorio Bergamaschi

Les secrets de

LA PHOTO DE NUIT

Matériel – Technique – Esthétique

Éditions Eyrolles
61, bd Saint-Germain
75240 Paris Cedex 05
www.eyrolles.com

Conception graphique et mise en pages : Nord Compo

© Groupe Eyrolles, 2014, ISBN : 978-2-212-13236-6

Chez le même éditeur

Dans la même collection

F. Milochau, Les secrets de la photo de paysage, 2013, 224 p.

E. Balança, Le grand livre de la photo de nature, 2013, 260 p.

Boîtiers argentiques et numériques

R. Bouillot, Pratique du reflex numérique, 4e édition, 2013, 484 p.

L. Breillat, Choisir l’objectif idéal pour son reflex Canon/Nikon, 2013, 176 p.

V. Luc, Nikon D200 – Nikon D80 – Nikon D50 – Canon EOS 500D – Canon EOS 350D – Canon EOS 5D Mk II – Canon EOS 550D – Canon EOS 60D – Canon EOS 7D.

V. Luc, P. Brites, Canon EOS 5D Mk III, Canon EOS 600D.

V. Luc, M. Ferrier, Nikon D300.

V. Luc, B. Effosse, Canon EOS 40D – Canon EOS 400D.

M. Ferrier et C.-L. Tran, Nikon D5200 – Nikon D3000 – Nikon D5000 – Nikon D90 – Canon EOS 1000D – Pentax K-x.

A. Santini, Nikon D60.

Techniques de la photo – Prise de vue

C. Flers, Vivre de la photo de mariage, 2013, 196 p.

É. Delamarre, Profession photographe indépendant, 3e édition, 2013, 320 p.

P. Bachelier, Noir & blanc, de la prise de vue au tirage, 2013, 232 p.

S. Arena, Lumière – Pratique photo, 2013, 284 p.

J.-M. Sepulchre, Apprendre à photographier en numérique, 4e édition, 2013, 160 p.

T. Legault, Astrophotographie, 2e édition, 2013, 165 p.

É. Baledent, Photographier tous les sports, 2013, 180 p.

A.-L. Jacquart, Photographier au quotidien avec Anne-Laure Jacquart, 2013, 256 p.

S. Calabrese Roberts, La photo documentaire, 2013, 192 p.

T. Nagar, Street photo, 2013, 176 p.

A. Amiot, Conseils photo pour les voyageurs, 2013, 192 p.

S. Leporcq, Photographier les enfants, 2013, 144 p.

G. Lepetit-Castel, Concevoir son livre de photographie, 2013, 176 p.

F. Hunter, S. Biver, et al., Manuel d’éclairage photo, 2e édition, 2012, 260 p.

J. Dennis Thomas, Photographie de concert, 2012, 208 p.

H. Adnum, Photographiez vos créations, 2012, 192 p.

A. Mante, Composition et couleur en photographie, 2012, 208 p.

M. Abdelli, Photo gourmande, 2012, 144 p.

A.-L. Jacquart, Mémophoto – Les réglages de l’appareil, 2012, dépliant, 14 p.

A.-L. Jacquart, Mémophoto – La composition étape par étape, 2012, dépliant, 14 p.

P. Barret, Photo culinaire, 2011, 160 p.

A.-L. Jacquart, Composez, réglez, déclenchez ! La photo pas à pas, 2011, 168 p.

G. Blondeau, Photographier la nature en macro, 2e édition, 2010, 224 p.

G. Aymard, Photo d’architecture, 2010, 130 p.

B. Bodin, C. Bruno, Photographier la montagne, 2008, 166 p.

T. Seray, Photographier la mer et la voile, 2007, 200 p.

Traitement de l’image numérique

M. Evening, Lightroom 5 pour les photographes, 2013, 656 p.

G. Theophile, Lightroom 5 par la pratique, 2013, 340 p.

V. Gilbert, Photoshop CS6 et le RAW par la pratique, 2013, 200 p.

S. Kelby et M. Kloskowski, Photoshop Elements 11 pour les photographes, 2013, 456 p.

M. Evening, Photoshop CS6 pour les photographes, 2012, 680 p. + DVD-Rom.

J. Delmas, La gestion des couleurs pour les photographes, les graphistes et le prépresse, 2012, 520 p.

V. Gilbert, Camera Raw par la pratique, 2011, 190 p.

REMERCIEMENTS

Je tiens à remercier Valérie Carreno qui m’a proposé d’écrire ce livre.

Merci surtout à mon éditrice, Aude Decelle, dont le talent et la ténacité ont permis à ce projet de prendre forme et de se réaliser.

Un grand merci à Chantal Bourbigot. Sa sensibilité d’écrivain a enrichi le récit de cette balade nocturne. Ses précieux conseils et son écriture fluide et claire ont été les compagnons idéaux de mes images.

Je n’oublie pas ma famille, qui a supporté de me voir sortir nuit après nuit. Merci à ma femme Lucia et mes enfants Giulio et Anna. Le problème est que je n’en ai pas fini avec la photographie nocturne !

Une dernière pensée à mes parents Corinne et Armando et à ma sœur Beatrice. Ils n’ont pas eu le temps de voir la fin de ce beau projet. Ce livre est dédié à leur mémoire.

AVANT-PROPOS

L’idée de poser des mots sur la photographie est un défi en soi.

Écrire ce livre m’a imposé des moments de réflexion sur une pratique rodée depuis des années et qui demandait à être décryptée d’une manière logique et claire. Pour y parvenir, j’ai souvent fait appel à mon expérience d’enseignant qui me pousse à décrire dans le détail des gestes intuitifs. Je me suis aussi rappelé les nombreuses interrogations de mes stagiaires sur la façon de composer une image la nuit.

Ce livre est conçu comme un voyage imaginaire qui commencerait au centre de nos villes et nous amènerait plus loin, dans les faubourgs, les banlieues, dans les terrains vagues, les zones industrielles, au cœur de la nuit noire, jusqu’à la mer. Un parcours enrichi de conseils sur le matériel et la post-production.

Il a été pour moi l’occasion de rêver d’un long stage de photographie au cours duquel j’entraînerais mes élèves dans un parcours nocturne aux quatre coins de l’Europe.

Vittorio Bergamaschi

Paris, novembre 2013

TABLE DES MATIÈRES

La prise de vue nocturne : matériel et techniques

Les appareils adaptés à la photo de nuit

RAW ou JPEG

Le format RAW

Le format JPEG

Les autres formats d’enregistrement

L’impact de la taille du capteur

Exposer pour la nuit

Une sensibilité adaptée au sujet

Le temps de pose

La profondeur de champ

Le problème de la balance des blancs

Quels réglages pour la photo de nuit ?

Boîtier : quelques paramètres utiles

Le style d’image

Le mode de mesure de la lumière

La réduction du bruit

La mise au point

Le miroir

Les accessoires fondamentaux

La nuit en ville

Choisir le sujet et le mettre en valeur

Choisir un format d’image

La ville ancienne

La lumière : premier élément de l’image

Chercher le sujet dans les détails

Gérer la présence humaine

La ville contemporaine : formes, couleurs, matériaux

Cadrage, objectif, point de vue

Gérer les lignes horizontales et verticales

La ville surprise

Aux portes de la ville

S’éloigner des lumières urbaines

Le port, la mer : des ambiances particulières

Isoler un sujet, composer avec le vide

Les couleurs de la nuit

Comment la nuit maquille le réel

La lumière du crépuscule

Créer la surprise

Laboratoire numérique : traiter une image couleur

1re étape : la balance des blancs

2e étape : l’exposition

3e étape : les détails

4e étape : la correction de l’objectif

Les autres réglages

La nuit monochrome

Renoncer à la couleur, voir autrement

Comment savoir qu’un sujet est adaptéau noir et blanc ?

Les principaux réglages

Le laboratoire numérique :traiter une image noir et blanc

Aller plus loin avec Silver Efex Pro

Travailler par séries

Galerie

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La prise de vue nocturne : matériel et techniques

La plupart des appareils conviendront à la prise de vue nocturne, du moment qu’ils vous donnent accès à un minimum de réglages. Ce chapitre fait le point sur le matériel adapté à la photo de nuit ainsi que sur les réglages à maîtriser, notamment en ce qui concerne l’exposition et la balance des blancs.

Les appareils adaptés à la photo de nuit

Hormis certains petits compacts, presque tous les appareils, numériques ou argentiques, sont adaptés à la prise de vue nocturne. En numérique comme en argentique, je conseille néanmoins de travailler avec des appareils capables de paramétrer la prise de vue en mode Manuel.

LES PETITS COMPACTS ET LA NUIT

Sur les petits appareils compacts, le flash se déclenche automatiquement, mais il ne creuse que quelques mètres de l’obscurité sans réussir à définir le lieu. Si le sujet est proche, un éclairage souvent trop fort et très contrasté l’investit, ce qui rend l’image peu utilisable.

En numérique, si vous êtes équipé d’un appareil compact, il faudra aussi vérifier que le réglage de la sensibilité ISO soit accessible. Si vous avez un bridge, un hybride ou un reflex à petit capteur (APS-C) ou plein format (24 × 36 mm), vous disposez de tous les réglages nécessaires pour bien maîtriser la prise de vue nocturne.

Notez que les appareils numériques moyen format sont, eux aussi, adaptés à la photo de nuit. En revanche, la montée en ISO très limitée des dos numériques moyen format pose certaines limites à leur utilisation. Ils restent cependant tout à fait utilisables à leur sensibilité native (voir plus loin) avec une qualité d’image et un rendu de couleur supérieurs à ceux des reflex.

En argentique, de même, le seul paramètre souhaité est la prise de vue en mode Manuel. Petit, moyen ou même grand format, vos appareils argentiques sont parfaitement adaptés à la photo de nuit.

RAW ou JPEG ?

Si vous possédez un appareil numérique, celui-ci est capable d’enregistrer les images dans des formats différents, notamment le RAW et le JPEG. La nuit, le choix de ce format est très important.

Le format RAW

Le format RAW est le format source, l’information numérique pure enregistrée par votre capteur. C’est celui que je conseille toujours, et plus particulièrement pour la photo de nuit.

Certes, ce format génère des fichiers plus lourds, qui prennent de la place dans la carte mémoire puis sur le disque dur de votre ordinateur, problématique accentuée par la constante augmentation du nombre de pixels des appareils numériques. De plus, le RAW impose le passage par un logiciel de développement pour être exporté dans un autre format plus facile à partager. En contrepartie, il vous permet de conserver un fichier d’origine intact et vous offre ainsi toute latitude au post-traitement.

Héritage des habitudes de l’argentique, le format RAW est considéré par certains comme une sorte de négatif, qui demande un développement par un logiciel dédié, chambre noire des temps modernes.

Sachez que si vous vous retrouvez coincé lors d’une sortie avec une carte mémoire qui approche de la saturation, il existe une solution qui vous permettra de réduire le poids des images réalisées sans devoir repasser au format JPEG. Il s’agit de la compression des RAW proposée par certains boîtiers. Vous pouvez ainsi enregistrer un nombre plus important de fichiers, mais dans une taille plus petite. Attention : j’ai constaté lors de mes tests une perte de dynamique des couleurs, c’est donc une option à utiliser seulement en cas de nécessité, par exemple si au cours d’une sortie, vous constatez que le nombre des déclenchements encore réalisables sur votre carte mémoire baisse dangereusement et que, de ce fait, vous risquez de ne pas arriver à la fin de votre parcours. Pour ne pas vous retrouver dans cette situation, il est plus qu’évident qu’une deuxième carte devrait toujours se trouver dans votre sac photo !

Le RAW permet d’effectuer un travail très subtil sur la balance des blancs et sur les différents contrastes et éclairages de la scène. Certains réglages peuvent être poussés à fond, la qualité du fichier ne sera pas dégradée. Hasselblad H1-Leaf Aptus 75, 50 mm, f/11, 20 s, 100 ISO.

Le format JPEG

Quand vous choisissez ce format plus léger, immédiatement exploitable et qui s’affiche instantanément à l’écran, sachez que le capteur de votre appareil n’enregistre pas des images directement en JPEG : c’est le boîtier qui « développe » le fichier RAW d’origine pour le transformer en JPEG.

Le problème de ce format, même dans sa taille la plus grande et sa compression la moins forte, est qu’au moment de la transformation, le boîtier supprime des informations. Informations qui s’avèrent fondamentales au moment où il faudra rattraper, via un logiciel de post-traitement, une exposition mal calée, une balance des blancs erronée ou, tout simplement, pour produire une image en noir et blanc riche en nuances de gris.

Enfin, autre inconvénient du format JPEG : les images sont moins piquées et les couleurs moins subtiles. Si malgré tout, vous optez pour ce format, le seul conseil que je puisse vous donner est de prendre les photos dans la taille maximale et la meilleure compression (la moins forte) proposée par votre appareil.

Les autres formats d’enregistrement

Les TIFF sont des images dont les informations ne sont pas compressées et d’une qualité supérieure au JPEG. J’avoue ne pas comprendre la logique de l’enregistrement automatique de ce format, proposé par certains boîtiers et qui se place idéalement (en termes de qualité) entre le RAW et le JPEG. Soit on souhaite profiter de toute la richesse d’un fichier en phase de traitement personnalisé et alors on choisit le RAW, soit on doit juste produire une image légère – et on accepte le fait qu’elle soit définitive dès la prise de vue –, et on opte pour le JPEG.

Dans certains appareils, le format RAW est remplacé par le format DNG. Développé par Adobe, le DNG est une tentative de standardisation des différents formats RAW (chaque fabricant de boîtier ayant son propre format RAW : NEF chez Nikon, CR2 chez Canon, PEF chez Pentax…). Le format DNG garde le même potentiel qualitatif, ainsi que la même souplesse de traitement qu’un format RAW. En ce qui concerne son poids, le DNG, tout comme le RAW, prendra de 3 à 5 fois plus de place dans votre carte mémoire qu’un JPEG dans son format le plus large et le moins compressé.

L’impact de la taille du capteur

En ce qui concerne les différents formats de prise de vue numérique, il faut savoir que dans les années 1990, produire un capteur du même format que celui du 24 × 36 mm argentique était très onéreux. À cette époque, des capteurs numériques 24 × 36 mm étaient disponibles chez Canon et Nikon, mais à un tarif prohibitif (environ 25 000 € d’aujourd’hui). Il fallait donc produire un capteur plus petit et moins coûteux afin de commercialiser la technologie numérique sur des reflex d’entrée de gamme. Au début des années 2000, les capteurs APS-C, d’une taille d’environ la moitié d’un 24 × 36 mm, ont donc été produits pour équiper une gamme de reflex abordables (1 000 € pour le Canon 300D en 2003…).

Depuis, le full-frame 24 × 36 s’est démocratisé, devenant de plus en plus accessible, et le format APS-C continue à s’imposer chez les amateurs. Désormais, ces deux formats cohabitent dans l’univers de la photographie numérique. Les avantages du 24 × 36 sur l’APS-C peuvent se résumer ainsi :

meilleure gestion du bruit dans les hauts ISO ;

meilleur rendu des différentes tonalités de couleurs et densités du noir et blanc ;

meilleur rendu du flou, plus nuancé et plus doux ;

large choix d’objectifs fixes grands-angles.

Exposer pour la nuit

Point crucial quel que soit le domaine de prise de vue, l’exposition est encore plus problématique la nuit, où se cumulent de nombreuses contraintes dues à l’obscurité mais aussi au mélange des différentes sources de lumière artificielle.

Une sensibilité adaptée au sujet

Le réglage de sensibilité ISO modifie la sensibilité du capteur à la lumière, élément crucial lorsqu’il s’agit de photographier la nuit. Selon l’appareil, elle va de 50 à 6 400 ou 12 800 ISO, voire davantage, pour certains nouveaux boîtiers haut de gamme. En argentique, la plage de sensibilités est plus réduite : on trouve des films allant de 50 à 3 200 ISO pour le noir et blanc (1 600 ISO pour la couleur).

Depuis que la course aux pixels ne représente plus un véritable gain de qualité, l’augmentation de la sensibilité est désormais le nouvel argument marketing mis en avant par les constructeurs d’appareils photo numériques. Nous allons voir que cette progression n’a pas que des avantages.

Dès que l’éclairage devient faible, la montée en ISO est nécessaire. Lorsque l’on passe de 100 à 200 ISO, le signal lumineux double d’intensité, donnant une image deux fois plus lumineuse – ce qui explique la progression de l’échelle des sensibilités : 100, 200, 400, 800… Cette montée en sensibilité est en réalité simulée par l’interpolation du signal réel du capteur. Cet ingénieux système a malheureusement ses inconvénients. En effet, tout système d’amplification d’un signal numérique engendre des dégradations de l’image, appelées « bruit numérique ». Ce dernier augmente avec la sensibilité, et devient de plus en plus visible dans les images aux ISO élevés, en particulier dans les tons foncés de l’image.

Impossible pourtant d’établir un seuil de tolérance au bruit, car celui-ci se manifeste différemment selon la nature et la taille du capteur (CCD ou CMOS), la quantité de pixels, le processeur du boîtier chargé de traiter le signal, mais aussi l’utilisation réelle de l’image. Concrètement, l’effet granuleux (bruit de luminance) comme l’effet de taches de couleurs (bruit de chrominance) restent invisibles sur les petites images utilisées à l’écran. Ils sont en revanche plus visibles sur les tirages papier, mais là encore, cela varie selon l’appareil et la taille de son capteur. Par exemple, j’ai constaté que sur un tirage de taille moyenne (24 × 30 cm), le bruit du Nikon D90 à 1 600 ISO était visible spécialement dans les tons foncés. Son successeur, le D7000 montrait à 3 200 ISO un bruit encore réduit et quasi négligeable, tandis que le modèle suivant, le Nikon D7100, ne présentait quasiment aucun défaut au-dessus des 6 400 ISO. Il est évident que plus les tirages sont petits, plus l’effet disparaît.

Dans ce domaine, la taille du capteur représente un avantage (voir précédemment). Ainsi, un full-frame 24 × 36 livre des images moins bruitées qu’un capteur APS-C à sensibilité égale, et les appareils compacts restent encore très peu performants en ISO élevés. Les capteurs CMOS des reflex sont par ailleurs largement plus adaptés à la montée des ISO que les capteurs CCD que l’on trouve sur les appareils moyen format numériques ou certains appareils à télémètre.

QUELLE SENSIBILITÉ POUR LA PRISE DE VUE NOCTURNE ?

Si le sujet est statique, si l’on photographie un paysage ou de l’architecture, alors on peut utiliser des poses longues et je conseille les 100 ou 200 ISO natifs du boîtier. Si le sujet est en mouvement, on est obligé d’augmenter la sensibilité pour garder un temps de pose plus court. Les deux images ci-après sont, à mon avis, assez parlantes.

Pour cette image riche en détails et en couleurs, j’ai choisi les 100 ISO natifs de l’appareil. Certains boîtiers proposent une extension de la sensibilité à 50 ISO qui en réalité représente une interpolation des 100 ISO natifs. Je déconseille d’utiliser cette option avec laquelle j’ai constaté une perte de dynamique de couleur. Canon 5D Mark II, 45 mm, f/8, 30 s, 100 ISO.

Pour réaliser cette image montrant des sujets en mouvement, impossible de les figer en utilisant une faible sensibilité ! J’ai donc rapidement réglé les ISO à 3 200 pour obtenir un temps de pose suffisant à bloquer les mouvements des trois hommes. Canon 5D Mark II, 85 mm, f/5,6, 1/250 s, 3 200 ISO.

Même si une faible sensibilité assure une meilleure qualité d’image et un rendu des couleurs plus fidèle et plus intense, il m’arrive de monter les ISO quel que soit le sujet, statique ou en mouvement. En effet, mon Canon 5D Mark II gère très bien les hauts ISO jusqu’à 3 200 et j’aime cette sensibilité quand les détails de l’image sont secondaires ou quand je veux travailler rapidement, chercher des images plus instinctives, plus intimes, sans les inconvénients du pied. Avec le nouveau 5D Mark III, sur lequel le traitement du bruit a encore été amélioré, je peux désormais monter jusqu’à 12 800 ISO sans que le bruit soit vraiment visible sur un tirage 30 × 40 cm.

SENSIBILITÉ DES DOS MOYEN FORMAT

Le capteur CCD de mon dos Leaf Credo 60, empêche toute montée en sensibilité, la plage des ISO étant limitée de 50 à 800. Une montée en ISO si réduite s’explique par la nature même des capteurs à technologie CCD, plus adaptés à la photographie de studio, qu’aux conditions variables de la prise de vue à l’extérieur. Mon préféré reste de loin le système moyen format Hasselblad H couplé au dos numérique Leaf Credo 60, en termes de qualité et de rendu, pour des prises de vues statiques à l’extérieur, même la nuit.

Dernier conseil : la sensibilité automatique est à éviter. Le boîtier ne tient pas compte de la situation nocturne et il monte automatiquement les ISO face à des ambiances sombres, qui sont alors rendues par des images trop claires.

Le temps de pose

La prise de vue à main levée a ses limites la nuit. En effet, à partir d’un temps de pose de 1/30 s ou 1/20 s, vos images, sensibles au moindre de vos mouvements, risquent d’être floues (il suffit de respirer pendant la prise de vue pour que vos mains commencent à trembler). Et le système de stabilisation de certains objectifs ne résout pas le problème en prise de vue nocturne. Pour que la prise de vue à main levée soit possible, il faut alors monter à 3 200 ou 6 400 ISO et utiliser des objectifs à grande ouverture (f/1,4 ou f/2,8).

Lorsque le sujet est statique et que l’on travaille à 100 ISO, le temps de pose peut prendre plusieurs secondes, voire minutes. Dans la plupart des cas, nos APN gèrent automatiquement le temps de pose jusqu’à 30 secondes. Au-delà, en mode Manuel, le mode « Bulb » s’affiche : lorsque vous déclenchez, l’obturateur s’ouvre et reste ouvert jusqu’à ce que vous appuyiez à nouveau sur le déclencheur. Cela permet des poses très longues, de plusieurs minutes par exemple. Un déclencheur à distance est alors nécessaire pour éviter de transmettre au boîtier, pendant la durée de l’exposition, vos mouvements même très faibles (tremblements, respiration…) et l’utilisation d’un pied est obligatoire.

Contrairement à ce qui se passe en argentique (voir ci-après), en numérique, l’augmentation du temps de pose n’a pas d’impact sur le rendu de l’image. Face à un sujet statique, on privilégiera donc les ISO et l’ouverture de l’objectif, le temps de pose servira uniquement à rééquilibrer l’exposition.

La plupart des appareils argentiques proposent des temps de pose qui vont jusqu’à une seconde. Au-delà, on utilise la pose B ou T avec un déclencheur. En argentique, la loi de réciprocité fait que pour des poses excédant une seconde, la pellicule perd en sensibilité. Pour obtenir un cliché bien exposé, il faudra donc exposer plus longtemps que le temps prévu initialement selon les règles classiques.

Les résultats sont différents selon l’émulsion et la taille de la pellicule. Je travaille souvent avec la Kodak Ektar 100 au format 120 qui nécessite une exposition « classique » jusqu’à 5 ou 6 secondes de temps de pose ; de 6 à 8 secondes jusqu’à 45 secondes, il convient de surexposer de ½ stop; au-delà, il vaut mieux doubler le temps.

Cette série d’images de la même scène prises avec une exposition différente (variation de +1 et -1 IL autour d’une exposition « moyenne ») montre l’impact des réglages sur la luminosité.

La variation d’un stop de lumière – autrement dit d’un diaphragme ou d’un indice de luminosité (IL) – correspond à une variation manuelle du temps de pose ou de l’ouverture (ou encore d’une combinaison des deux) par rapport au couple suggéré par la cellule du boîtier. Surexposer d’un diaph signifie donc forcer l’exposition afin de doubler la quantité de lumière qui arrive sur le capteur, tout comme sous-exposer signifie la réduire de moitié. Esthétiquement cela se traduit par une modification de la luminosité de l’image, témoignant d’une interprétation subjective de la scène.

Il est évident que les temps de pose longs de la nuit nous suggèrent des effets de filé assez spectaculaires, difficile d’y résister !

Cette image a été prise avec une pellicule Kodak Ektar 100 au format 6 × 4,5 cm. La cellule de l’appareil m’indiquait un temps de pose de 80 s. Il aurait fallu doubler le temps pour compenser la loi de réciprocité, mais comme j’aime bien retrouver l’ambiance de nuit avec une sous-exposition qui est souvent d’un diaph, je n’ai finalement pas modifié le temps de pose. Hasselblad H1, Kodak Ektar 100, 50 mm, f/32, 120 s.

La profondeur de champ

La nuit, comme le jour, l’ouverture gère la profondeur de champ. Cependant, la nuit, il m’arrive souvent d’être moins exigeant sur la profondeur de champ car le noir joue son rôle dans l’image et prend la place de détails peu intéressants. De plus, avec un grand-angle, il suffit de fermer à f/5,6 ou f/8 pour obtenir une profondeur de champ importante.

Avec des objectifs lumineux, jouer sur la faible profondeur de champ devient un exercice très intéressant. En ville, les spots de lumière à l’arrière-plan enrichissent l’image d’une forte présence colorée, donnant souvent des résultats inattendus. En revanche, en présence de lampadaires, il vaut mieux fermer le diaphragme (f/16 ou f/22) afin de maîtriser les halos des ampoules qui, avec une petite ouverture, produisent des rayons de lumière assez esthétiques.

Des gouttes d’eau sur une rambarde en métal sont le prétexte pour jouer avec le flou des éclairages de la ville. Des lampadaires à l’arrière-plan créent des spots de couleur et de lumière assez esthétiques. Les différents reflets sur la rambarde ajoutent du volume à l’image. Canon 5D Mark II, 85 mm, f/1,8, 1/4 s, 3 200 ISO.

La présence des points lumineux des lampadaires était un élément fort dans la composition de cette image. J’ai choisi une ouverture minimale à f/22 afin d’obtenir un effet d’étoile assez esthétique (le nombre des rayons que l’on obtient dépend du nombre des lamelles qui constituent le diaphragme de l’objectif). Canon 5D Mark II, 24 mm, f/22, 30 s, 100 ISO.

Le problème de la balance des blancs

Tous les éclairages comportent une dominante de couleur. Les APN sont supposés corriger cette dominante grâce aux différents réglages de balance des blancs disponibles dans le menu approprié du boîtier. Certains sont efficaces, mais aucun n’est adapté à la prise de nuit nocturne. En effet, de nuit, on est en présence d’éclairages très différents : la lumière du jour encore présente dans le ciel au crépuscule, les néons, les lampadaires… Parfois, ces éclairages se mélangent. Alors comment faire, sachant qu’une seule balance des blancs devra corriger des dominantes différentes ?

En réalité, on privilégie une ambiance lumineuse, en général la plus importante, celle qui domine. Mais vous pouvez aussi utiliser la balance des blancs à des fins créatives et choisir sciemment un réglage inadapté si vous désirez donner à l’image une chromie inattendue. Sachez cependant que la balance des blancs automatique (AWB, auto white balance) fait souvent l’affaire. Elle permet d’équilibrer des éclairages différents et les résultats sont rarement décevants.

Si vous photographiez en RAW, cela n’a finalement pas d’importance car vous pourrez modifier la balance des blancs a posteriori. Les JPEG, eux, sont inadaptés à des rattrapages ou modifications importants de la balance des blancs.

Au crépuscule, la lumière du jour est encore bien présente dans le ciel au moment où les éclairages de la ville s’installent. Étant donné les sources nombreuses et différentes, je laisse faire la balance des blancs automatique pour éventuellement peaufiner les différents rendus de lumière dans Lightroom. Dans ce cas, je n’ai rien touché car j’ai trouvé les différents éclairages esthétiquement intéressants et capables de bien représenter les différents volumes de la scène. Hasselblad H1-Leaf Aptus 75, 35 mm, f/11, 20 s, 100 ISO.

Le seul cas où je conseille de passer directement à un réglage de balance des blancs particulier (Incandescente, appelé aussi Tungstène) est en présence d’un éclairage totalement induit par les ampoules des lampadaires de la voie publique. Ce sont des ampoules particulières, aux vapeurs de sodium. Leur spectre de couleurs, incomplet, génère une ambiance lumineuse qui ne permet pas à l’appareil d’établir une balance des blancs correcte. La balance des blancs Incandescente permet alors d’éviter un trop lourd rattrapage à l’ordinateur.

Il est également possible de paramétrer une balance des blancs personnalisée sur le boîtier, mais c’est une opération compliquée qui s’avère totalement inutile à l’extérieur, où les changements d’éclairage sont aléatoires.

En argentique, il existe uniquement deux sortes de pellicules couleur : celles qui sont équilibrées pour la lumière du jour, et celles qui le sont pour la lumière tungstène. Pour la photo de nuit, je conseille d’utiliser du négatif couleur, lumière de jour. Son ample latitude de pose permet non seulement de rattraper certaines erreurs d’exposition (liées notamment à un mauvais calcul de la loi de réciprocité, peu prévisible si elle n’a pas été testée en amont) mais aussi de bien redresser un dérapage colorimétrique.

Le négatif est ce qui s’approche le plus du format RAW. Les diapositives, en revanche, sont plus difficiles à corriger au labo et après scan.

Quels réglages pour la photo de nuit ?

Je travaille généralement en mode Manuel car, dans la majorité des cas, j’applique des réglages qui ne collent pas forcément à ce qui est indiqué par la cellule du boîtier, cette dernière étant souvent piégée par le manque de lumière. Pour le boîtier, la nuit est juste une scène sombre qui appelle de la lumière. Le résultat, en automatique, sera donc toujours une image surexposée avec une ambiance nocturne délavée. Afin de retrouver l’ambiance de la nuit et de respecter l’éclairage réel, je sous-expose donc régulièrement mes images d’environ 1 diaphragme, soit -1 IL.

Mais rien ne nous empêche de voir la nuit autrement ; c’est d’ailleurs l’un des exercices que je préfère. J’aime le faire au cas par cas, c’est pour cela que j’évite de travailler en permanence avec les réglages automatiques de correction d’exposition. Ces derniers représentent en effet une façon pratique de corriger l’analyse de la cellule, mais si on les applique d’une manière constante, ils rendent les images trop homogènes. Même en RAW et avec un bon logiciel de traitement des images, je préfère m’approcher le plus possible du résultat souhaité au moment de la prise de vue. Car c’est surtout là que se trouve pour moi le véritable plaisir de la photographie.

MÉMO : RÉCAPITULATIF DES ÉTAPES DE LA PRISE DE VUE

Je paramètre l’enregistrement des fichiers en RAW.

Je tourne la molette sur le mode M (manuel).

Je paramètre la balance des blancs en Auto, sauf cas particulier.

Je paramètre une sensibilité adaptée au sujet (statique ou en mouvement).

Je choisis l’ouverture du diaphragme.

J’appuie légèrement sur le déclencheur pour activer la cellule du boîtier et je tourne la molette des temps de pose afin de placer le curseur de l’indicateur d’exposition, à l’intérieur du viseur, à -1.

Une fois l’image prise, j’analyse l’image à l’écran et, si nécessaire, je modifie l’exposition (donc le temps de pose) pour une deuxième prise de vue.

Dans presque la totalité des cas, la cellule du boîtier interprète automatiquement une scène de nuit comme une image trop sombre à éclaircir, ce qui provoque une surexposition presque systématique. Ici (en haut), l’appareil, paramétré en mode Priorité ouverture, n’était pas en mesure d’interpréter la scène. Les volumes sont plats et le ciel délavé. Il a fallu passer en mode Manuel et opérer une sous-exposition manuelle d’1 IL afin de retrouver l’esprit du lieu (en bas). Canon 5D Mark II, 24 mm, f/11, 15 s, 100 ISO.

Boîtier : quelques paramètres utiles

Parmi les autres réglages disponibles sur les boîtiers reflex, voici ce que je recommande pour la prise de vue nocturne.

Le style d’image

Si vous avez choisi le format JPEG pour vos prises de vue, je vous conseille de paramétrer, dans le menu de votre boîtier, le style de prise de vue Neutre. Si vous utilisez d’autres styles de prise de vue (comme Standard ou Paysage), le boîtier modifiera, selon des recettes standardisées, le contraste, la saturation et la netteté de l’image. Les résultats ne sont pas toujours contrôlables ni conformes à vos attentes. Mieux vaut donc rester sur le réglage Neutre qui, comme son nom l’indique, est le plus neutre.

En revanche, si vous utilisez le format RAW, partant du principe que vos images nécessiteront un traitement logiciel (dans mon cas, c’est avec Lightroom que je traite l’intégralité des mes images, voir chapitre 4), cette opération s’avère inutile puisque aucun style de prise de vue n’est enregistré sur ce format et vous serez ainsi seul maître de la situation.

Le mode de mesure de la lumière

La nuit, parmi les différents modes de mesure de la lumière proposés par les APN, le plus efficace est certainement la mesure Évaluative (appelée aussi Matricielle, selon l’appareil). Dans la plupart des cas, c’est à partir de ce type de lecture de la lumière que j’applique une sous-exposition pour rétablir une exposition adaptée à la nuit, sous-exposition allant de -1 à -2 IL selon l’éclairage de la scène. En effet, rappelons que, sauf cas particulier, par exemple dans un lieu très bien éclairé et de manière homogène, le boîtier n’échappe pas à une analyse moyenne de la lumière, analyse qui aboutit à la surexposition de la scène, effaçant toute ambiance nocturne.

Évitez le mode Spot qui établit l’exposition sur une portion très réduite de la scène, au milieu du cadrage. En effet, si vous ne contrôlez pas précisément l’endroit où se fait la mesure, la cellule peut se baser sur le noir d’un ciel nocturne pour calculer l’exposition !

La réduction du bruit

Pour ce qui est de la réduction du bruit en ISO élevés, je n’applique aucune correction dans le boîtier. Si toutefois cette tâche s’avère nécessaire, en vue par exemple d’un tirage de grand format, je préfère confier cette opération à Lightroom. Lisser l’effet granuleux du bruit ou réduire sa dérive colorimétrique, tout en gardant le maximum de détails de l’image, est une opération qui demande des curseurs adaptés et qui ne peut se faire d’une manière efficace avec les réglages trop grossiers du boîtier. Nous en reparlerons dans les passages dédiés au traitement de l’image (voir chapitres 3 et 4).

Le temps de pose de la nuit, à 100 ISO, est lui aussi à l’origine d’un bruit numérique qui peut affecter la qualité de l’image. Il est dû au fait que le capteur reste longtemps allumé. En chauffant, il produit une dégradation de l’image particulièrement visible dans les noirs. Les APN les plus performants proposent dans leur menu une réduction de ce bruit que je conseille d’activer systématiquement (éviter, parmi les options proposées, le réglage automatique qui est trop aléatoire). Les réglages de suppression du bruit dans Lightroom, principalement conçus pour le bruit des ISO élevés ne sont pas, dans ce cadre, très efficaces. Une raison supplémentaire pour paramétrer cette option sur le boîtier.

Attention cependant, car avec ce réglage activé, une fois la photo prise, le processus de réduction de bruit peut durer aussi longtemps que l’exposition elle-même.

La mise au point

La nuit, le fait de bloquer l’appareil sur un pied peut être contraignant lorsque l’autofocus n’arrive pas à détecter des sujets insuffisamment éclairés. Dans ce cas, il faut passer à une mise au point manuelle, ou travailler en mode autofocus One-shot et sélectionner, parmi les collimateurs visibles dans le viseur, celui qui est le mieux placé par rapport au plan de netteté souhaité. Autre possibilité : la prise de vue en Live view, grâce à laquelle vous pouvez agrandir l’image affichée à l’écran et effectuer manuellement une mise au point précise.

Le miroir

Les boîtiers reflex proposent une option permettant de relever le miroir avant le déclenchement afin d’éviter qu’il ne génère des vibrations. Pour savoir si cette option est nécessaire, il faut tenir compte de la taille physique du miroir (qui dépend de la taille du capteur) et de son système de relèvement. Mes tests m’amènent à conclure qu’il est quasi-inutile sur des boîtiers APC-S ; c’est en revanche une bonne solution sur des 24 × 36, et obligatoire en moyen format. Un certain manque de netteté peut se percevoir lors d’expositions allant jusqu’à 6-8 secondes. Au-delà, ces petites vibrations sont totalement invisibles sur l’image finale.

Les accessoires fondamentaux

La nuit, l’accessoire le plus important est le pied. Or, je constate régulièrement que mes stagiaires s’attachent à privilégier un prix et un poids réduits au minimum ! Sachez qu’un pied tout petit, tout léger et en plastique vous lâchera, un jour ou l’autre, au milieu d’une belle soirée de prise de vue.

Un trépied doit être en métal (ou en carbone, léger et rigide, mais plus cher). Choisissez-le avec des jambes divisées en trois sections, plus stables qu’en quatre. Les serrages eux aussi doivent être solides, donc surtout pas en plastique. Même règle pour la rotule qui, idéalement, devrait être en magnésium. Les rotules « ball » sont compactes et pratiques, mais pour le paysage, je préfère les « 3D », aux trois axes séparés (ajuster le cadrage sur les lignes d’un bâtiment, la nuit, avec une rotule « ball » est un exercice qui frôle la torture !).

La nuit, le froid et les temps de pose longs fatiguent la batterie de votre boîtier. Une deuxième batterie est donc souvent nécessaire. Une carte mémoire de grande capacité est également souhaitée. Tout dépend de la résolution de votre capteur, mais si vous prenez les images en format RAW et que votre boîtier a un capteur d’au moins 12 Mpix, je vous conseille une carte de 8 Go minimum. Avec un capteur de 18 à 22 Mpix de résolution, les cartes de 16 Go s’imposent.

Très important aussi, un déclencheur avec minuterie. Si l’exposition exige un temps de pose qui dépasse les 30 secondes, il est même obligatoire. C’est aussi une façon de se mettre à l’abri de toutes sortes de vibrations au moment du déclenchement. Parfois, paramétrer le retardateur du boîtier suffit pour les atténuer, mais un déclencheur est un bon investissement car tôt ou tard vous en aurez besoin. Sur les sites d’enchères, vous trouverez des déclencheurs universels bien moins chers que ceux proposés par la marque de votre appareil. Je m’en sers depuis des années et ils sont tout à fait fiables.

Autre accessoire fondamental si vous faites de la photo d’architecture : le niveau à bulle, à glisser dans le sabot du flash de l’appareil. La nuit, il est très difficile de respecter les lignes de l’horizon et la verticalité des bâtiments, particulièrement avec un grand-angle. Un niveau à bulle permet de retrouver facilement les axes de la scène. Il est vrai que l’on peut redresser l’image via un logiciel, mais il est bien plus pratique de le faire sur place, dès la prise de vue. Certains appareils intègrent une bulle virtuelle qui s’affiche à l’écran et permet toutes sortes de redressements de l’image.

Une torche est souvent pratique. Elle vous permettra de pratiquer certains réglages dans l’obscurité, mais aussi de jouer avec la lumière et l’exposition en faisant ce que l’on appelle du « light painting » (technique qui consiste à placer l’appareil en pose longue devant une scène ou un sujet et à dessiner des motifs ou à éclairer ponctuellement certaines zones avec une source de lumière ponctuelle).

Enfin, n’oubliez pas le parasoleil de l’objectif, qui devient un accessoire fondamental si l’éclairage des lampadaires, souvent violent, occasionne des reflets disgracieux. Le parasoleil protégera également la lentille frontale de l’objectif en cas de pluie légère. Prévoyez aussi un chiffon de nettoyage pour objectif.

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La nuit en ville

La ville nocturne, immense réservoir d’inspiration, incite à vivre chaque sortie comme un voyage, une exploration. Dès que l’éclairage artificiel remplace la lumière du soleil, une nouvelle réalité surgit, modifiant profondément les lieux où, peut-être, vous travaillez depuis des années. Les volumes changent, les perspectives se modifient, la texture n’est plus la même. Il se produit une véritable réinterprétation du paysage urbain. Je me souviens, lors d’une soirée de prises de vue à la Bibliothèque de France, d’une stagiaire sidérée de redécouvrir son lieu de travail d’une manière si radicalement différente.

Au fur et à mesure que la nuit s’installe, le noir occupe l’image, cache des détails, des bribes du réel deviennent inutiles à la description du lieu. Le noir de la nuit est mon complice dans cette démarche de réinterprétation du paysage urbain, il stabilise, renforce le cadrage, la mise en valeur du sujet.

Choisir le sujet et le mettre en valeur

La ville est l’affirmation même de la multitude. Cette puissance esthétique si frappante à l’œil nu est difficile à ranger dans un seul cadrage, à saisir en un seul déclenchement. La difficulté ne réside donc pas dans le choix du sujet, mais dans la possibilité de l’isoler d’un ensemble complexe, chaotique, où tout se mêle, s’imbrique.

C’est un exercice souvent voué à l’échec car si le jour, la lumière du soleil unifie les scènes, la nuit, la disparité des éclairages crée un rapport de forces, occasionne une polyphonie visuelle qui perd de son intérêt si l’on cherche à tout faire entrer dans une seule image. Je suis souvent confronté à ce problème avec mes stagiaires, désireux de profiter au maximum de l’étonnante diversité graphique de Paris. Les résultats, souvent décevants, donnent des images où les multiples sujets se superposent, livrant une lecture confuse du lieu.

Hormis dans certains cas particuliers, comme face au skyline d’une métropole, mon parti pris est d’isoler un sujet et de le laisser vivre en autonomie. Tout le plaisir réside alors dans le fait de dénicher de petits détails, de faire des trouvailles et de les mettre en valeur par le biais du cadrage.

Recadrer l’image au post-traitement afin d’écarter des détails indésirables est une autre solution possible. Elle s’avère même souvent nécessaire car malgré un travail de composition soigné lors de la prise de vue, 2 à 3 % de la scène visée échappent à la couverture des viseurs de nos APN. Il arrive donc qu’au moment du visionnage sur l’écran de l’ordinateur, des détails inattendus apparaissent sur la photo. Cela peut être un lampadaire et ses reflets disgracieux qu’on croyait pourtant avoir soigneusement écartés au moment de la composition de l’image, ou encore une poubelle, le coffre d’une voiture…

Choisir un format d’image

Selon le format de l’image capturée par l’appareil photo (directement lié au format du capteur), les éléments de la scène ne vont pas s’inscrire tout à fait de la même façon dans le cadre, et il faudra adapter la composition de nos images.

Au-delà du classique ratio 2:3 proposé par nos reflex, il existe d’autres ratios qui sont très intéressants, voire plus adaptés à certaines prises de vue de nuit. Le 4:3 est une très bonne alternative pour des images « rectangulaires ». On le trouve d’ailleurs comme format natif dans la plupart des capteurs qui équipent les appareils hybrides et moyen format. C’est mon format préféré dès que le lieu m’inspire une composition graphique ou l’envie de sublimer un seul élément du paysage urbain nocturne.

Un exemple de skyline. Le paysage urbain se dessine sur un seul plan au fond de l’image. La texture du ciel et celle de l’eau équilibrent la composition. C’est une situation où il est assez facile de trouver un équilibre visuel parmi les différents éléments de la ville. Canon 5D Mark II, 16 mm, f/11, 30 s, 100 ISO.

Autre format possible : le ratio 1:1, le carré, à l’origine de nombreuses images gravées dans l’histoire de la photographie. Comment oublier celles des premiers pas sur la lune prises en 1969 au Hasselblad argentique 6 × 6 cm… Voici d’ailleurs un sublime exemple de photographie nocturne !

Le carré est considéré – à tort – comme un format un peu classique, notamment à cause de son célèbre passé argentique. Je ne partage pas cet avis, je pense au contraire que ce format n’a pas d’âge. De plus, sa vocation graphique apporte une écriture photographique forte et moderne. Je l’utilise beaucoup la nuit.

Je mentionnerais ici un autre format possible, le panoramique 16:9, qui peut sublimer certains skyline urbains, ou qui sait renforcer le graphisme d’un élément isolé dans le vide. Certains de mes stagiaires l’utilisent également parce qu’il est adapté aux ratios des écrans télé, et permet de faire des diaporamas.

Personnellement je l’utilise très peu, je lui préfère régulièrement le 2:3, déjà assez « long » à mon avis. J’ai rarement besoin de rogner le sol ou le ciel d’une image pour attendre le 16:9. La nuit, le ciel offre souvent une belle palette de nuances de couleurs et le sol peut aussi donner lieu à des textures intéressantes que je n’ai pas envie d’effacer de ma composition finale.

Une station du métro parisien, véritable défi de cadrage et de composition. Sur les lieux, j’évite la foule et me concentre sur l’architecture, mais les lignes et les perspectives se superposent et j’ai du mal à trouver un cadrage intéressant. Enfin, un ultra grand-angle de 16 mm me permet de trouver mon interprétation idéale du lieu. Canon 5D Mark II, 16 mm, f/16, 20 s, 100 ISO.

Tous ces formats alternatifs ne sont pas toujours paramétrables sur nos APN au moment de la prise de vue. Il vaut mieux essayer de les intégrer mentalement, pour les retrouver ensuite avec l’outil cadrage de notre logiciel de traitement. Si, par exemple, on pense « carré », notre travail de composition sur le terrain s’adaptera à ce souhait et on n’accordera pas d’importance aux éléments destinés à être exclus de l’image finale. Cet exercice intellectuel pas toujours facile au départ se peaufine avec l’expérience. Au cours de mes stages, je sensibilise mes stagiaires à cette problématique en cachant avec un doigt une partie de l’image qui s’affiche à l’écran, leur montrant ainsi la véritable image dans l’image…

La ville ancienne

La ville ancienne, minérale, riche en témoignages des époques passées, s’oppose tranquillement à la ville de verre et d’acier. C’est dans la matière même de ses bâtiments davantage que dans leur architecture que je vais à sa rencontre. Une ruelle, un sol pavé, la texture d’un mur, sont les véritables sujets de mes images. C’est souvent dans le détail que je cherche l’équilibre.

Dans les grandes villes, les bâtiments anciens sont souvent très bien éclairés. Les attentes de la municipalité – donner du relief, mettre en valeur les volumes d’un bâtiment – rejoignent les nôtres et on retrouve presque l’œil d’un photographe derrière certaines mises en lumière. Il ne nous reste qu’à poser le pied et à trouver le bon cadrage.

La lumière : premier élément de l’image

Avant même de m’interroger sur la nature du lieu, sur les caractéristiques de l’architecture qui m’entoure, je cherche un point d’accrochage esthétique dans la manière dont l’éclairage se répand autour de moi. C’est ma façon de questionner la scène, de découvrir l’esprit d’un lieu, de capter l’atmosphère. J’essaye alors de trouver des endroits où l’éclairage n’est pas trop somptueux, trop riche ou trop intimidant.

Un portail art déco confronte sa transparence à la matière mate de la pierre. Ce mélange d’éléments et de lumières rend le choix du cadrage difficile. La flaque d’eau et ses reflets offrent alors un point d’équilibre. Canon 5D Mark III, 16 mm, f/8, 20 s, 100 ISO.

Une rue pavée contourne l’église d’un village. Les lampadaires créent des clairs-obscurs, la richesse des matières s’exprime pleinement. Une ouverture relativement fermée, couplée à un grand-angle, assure une belle netteté à l’ensemble de l’image. Canon 5D Mark II, 28 mm, f/14, 20 s, 200 ISO.

Un éclairage fort et uniforme aplatit les volumes de l’architecture tout comme mon inspiration. Si vous photographiez la façade du Sacré-Cœur à Montmartre, vous n’obtiendrez rien de plus qu’une jolie carte postale. Si au contraire, vous vous baladez derrière l’église, dans les ruelles de la Butte, vous aurez des dizaines d’images, bien plus aptes à restituer l’ambiance de ce lieu. Ceci est dû au fait que les éclairages sont plus discrets, moins frappants, moins étonnants, plus variés. Laissez-vous conduire par cette variété de lumières, elle sera probablement à la base de la réussite de vos clichés.

Une séquence de lampadaires sous des arcades, qui crée une progression de clairs et d’obscurs, vous poussera à travailler la perspective d’un lieu avec une focale grand-angle par exemple. En revanche, le cône de lumière d’un unique lampadaire qui creuse le noir de la nuit sera un sujet intéressant pour une prise de vue frontale, probablement renforcée par un cadrage assez serré au téléobjectif.

Trouvez un éclairage intéressant, placez-vous dans un angle qui mette en valeur l’ambiance du lieu et choisissez un cadrage frontal ou en perspective pour que l’image soit en mesure de restituer et de sublimer cette ambiance.

Chercher le sujet dans les détails

Si c’est l’éclairage qui conduit mon regard dans la ville ancienne, je suis également attiré par les détails qui surgissent et peuvent être mis en valeur par le cadrage ou la lumière.

C’est souvent le cas du sol. La texture du pavé des petites rues est naturellement un sujet intéressant, une partie forte dans la composition de l’image. Un sujet en soi, dans certains cas. L’éclairage des lampadaires est par nature assez peu homogène, la lumière se répand alors sur le sol d’une manière inégale, donnant lieu à des clairs-obscurs très séduisants. Si on y ajoute une météo capricieuse avec de la pluie, les flaques d’eau et le sol mouillé proposent une quantité presque infinie de variantes de lumière. Encore une fois, il ne faut pas oublier une sous-exposition d’un ou deux diaphs pour que les textures soient bien retranscrites.

Dans le cadre d’une prise de vue au bord d’un fleuve ou d’un plan d’eau, le sol, matérialisé par l’eau, sera lui aussi un point fort de l’image. On profitera des temps de pose longs de la nuit pour créer des effets de reflets auxquels la ville ancienne prêtera tout son charme.

La majestueuse architecture d’un pont parisien, sublimée par un éclairage fort et contrasté. Un point de vue très proche du sujet couplé à un ultra grand-angle assure une perspective puissante. Les « étoiles » formées par les lampadaires renforcent le côté spectaculaire du lieu. Canon 5D Mark II, 16 mm, f/16, 25 s, 100 ISO.

Gérer la présence humaine

Dans les grandes villes, les quartiers anciens sont souvent synonymes de zone touristique. La présence humaine peut être importante et elle peut faire partie du paysage. D’une manière générale, je suis plus attiré par des images nocturnes où la présence de l’homme est minimale, voire nulle. En particulier, dès que je me retrouve dans les ruelles d’un centre historique, j’ai envie de m’imprégner de l’ambiance calme et silencieuse que ces lieux dégagent.

Dans cette image au bord de la Seine, détails et matières se développent tout au long de la perspective du quai. Un grand-angle m’a permis de construire un équilibre visuel entre le pont, l’eau et la ville en arrière-plan. Une ouverture réduite garantit une grande zone de netteté, de la rambarde du premier plan jusqu’aux détails plus lointains. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 35 mm, f/27, 64 s, 50 ISO.

Voici quelques astuces pour limiter la présence de personnages dans vos images.

• Repoussez vos séances de prise de vue après dix heures du soir : les touristes sont une espèce qui se couche tôt !

• Pour des sujets en mouvement, comme la foule qui déambule, un temps de pose d’au moins 15-20 secondes efface toute trace d’être vivant de vos images.

• Dernière possibilité : s’armer de patience et attendre que la scène soit vide.

• Enfin, solution du désespoir : éliminer les intrus avec le tampon de Photoshop, ça m’arrive occasionnellement !

Dans cette ruelle éclairée par des lampadaires, pierres plates et pavés composent des lignes et des niveaux variés. Le noir et blanc renforce la lecture des différentes textures. Canon 5D Mark II, 70 mm, f/16, 6 s, 100 ISO.

Encore une vue assez classique de Paris. Quand je me prends à ce genre d’exercice, j’aime faire cohabiter un sujet fort (ici l’Institut de France) avec d’autres éléments plus communs comme les longs reflets sur l’eau, les arbres et leurs transparences ou les lueurs du ciel. Hasselblad H1, 100 mm, f/32, 90 s, Kodak Ektar 100.

Dans le quartier des affaires de la Défense, l’architecture contemporaine est au rendez-vous ! Ici, le rapport entre l’architecture et le sol est sublimé par les reflets et l’effet miroir d’un bassin. Les couleurs de la nuit doublent leur impact visuel, ce dernier étant encore renforcé par les lignes et les couleurs du fond du bassin. Hasselblad H1-Leaf Aptus 75, 35 mm, f/11, 25 s, 100 ISO.

La ville contemporaine : formes, couleurs, matériaux

Toute de verre, d’acier et de lumières, infiniment photogénique, la ville contemporaine est le terrain idéal pour se laisser séduire et entraîner. On peut se concentrer sur l’éclairage spectaculaire d’un bâtiment, à isoler dans sa puissance visuelle, ou faire cohabiter différentes lumières issues d’un urbanisme voué à la profusion. Les résultats donnent souvent des couleurs et des contrastes forts, des détails singuliers, des strates de lumières abstraites qui se fondent les unes dans les autres.

Cadrage, objectif, point de vue

De nuit, comme de jour, je n’ai pas trop envie de lever la tête, je préfère garder dans le cadre l’horizon, véritable point de communion entre l’architecture et l’urbanisme. Par ailleurs, j’ai toujours pensé qu’inclure la présence du sol dans la photographie d’architecture était la meilleure approche du paysage urbain. Le rapport entre l’espace dédié aux déplacements des humains et l’architecture qui s’inscrit dans leur champ visuel (le rez-de-chaussée et les premiers étages) est ma façon favorite de capter la ville contemporaine, ses habitants, leurs habitudes.

Si on se balade dans un quartier d’affaires, une zone industrielle ou une zone commerciale, bref dans des lieux d’architecture contemporaine, on dispose d’une amplitude de l’espace dont on est souvent privé dans les quartiers anciens de nos villes. La topographie de ces lieux influence mon regard photographique. J’essaie alors de capturer avec un grand-angle l’ensemble des architectures qui composent le paysage, pour tout avoir et décrypter la nature du lieu, pour m’éloigner et réduire l’échelle du réel. Il arrive aussi que je me concentre sur des détails à l’aide d’un téléobjectif.

L’architecture contemporaine est séduisante et la lumière joue encore une fois le grand rôle. C’est à nouveau mon premier point d’accroche : s’il se passe quelque chose entre la lumière et le noir qui l’entoure, alors forcément il doit y avoir un sujet à privilégier. Et ma chasse peut commencer.

Il ne faut pas oublier que la nuit, le soleil est absent et que la lumière est diffusée par des éclairages artificiels. Constatation plutôt banale, j’en suis conscient, mais fondamentale pour comprendre que l’on est rarement confronté à la problématique du contre-jour. Cela veut dire que, contrairement au jour, où la position du soleil joue un rôle important dans notre emplacement sur le terrain, nous obligeant à écarter certains angles, la nuit, on a un choix de points de vue bien plus large et qu’il faut exploiter.

Comme je l’ai dit plus haut, on a souvent bien assez de place dans les espaces modernes, pour trouver différents points de vue. Je me retrouve rarement bloqué, dos au mur, dans l’esplanade d’un quartier d’affaires. Et si je peux bouger, si je peux circuler, si je peux choisir une vision frontale ou une vision latérale, m’approcher ou m’éloigner du sujet sans que l’éclairage soit vraiment différent, j’ai la liberté de trouver sans trop de contraintes le point de vue optimal.

Gérer les lignes horizontales et verticales

Dans un cadre de photographie d’architecture, je suis constamment confronté au problème des lignes verticales des bâtiments et à la façon de les respecter. Comme je l’ai déjà évoqué dans le chapitre précédent, s’équiper d’un niveau à bulle (ou utiliser le niveau intégré dans le boîtier) est fondamental pour ne pas perdre la ligne d’horizon, souvent cachée par la configuration du lieu. Un horizon qui penche est le principal défaut que je remarque dans les images de mes stagiaires débutants qui, par manque d’expérience, négligent régulièrement cet aspect. Même après des années de travail, il m’arrive d’être trompé par l’ambiance nocturne qui camoufle les orthogonalités du paysage urbain et je dois souvent suivre les indications du niveau à bulle de mon appareil pour que l’horizon de mes images soit une ligne bien droite.

Comme une flèche pointée vers le ciel, une partie de la surface de cet immeuble moderne renvoie l’éclairage de la rue et échappe au noir qui engloutit la ville. Une longue focale m’a permis d’isoler ce détail de son contexte. Canon 5D Mark II, 200 mm, f/16, 30 s, 100 ISO.

Plutôt que de mettre en avant la hauteur imposante des immeubles, je préfère me focaliser sur les différents niveaux horizontaux de ce lieu. Les filets des voitures sortant du tunnel renforcent la perspective. Canon 5D Mark II, 35 mm, f/16, 30 s, 100 ISO.

La convergence des lignes verticales des bâtiments pose également problème. Cela arrive, avec n’importe quel objectif (plus encore avec un grand-angle) dès que, pour le cadrer en entier, le capteur perd son parallélisme avec le bâtiment. Le résultat, peu visible à l’écran du boîtier, s’affichera ensuite à l’ordinateur comme une convergence de lignes, esthétiquement peu agréable.

Il existe deux solutions.

• L’utilisation d’objectifs grands-angles dits à décentrement (shift), spécialement pensés pour l’architecture. Ils servent à rétablir la géométrie correcte d’un immeuble sans faire une prise en contre-plongée. Pourvus d’un cercle d’image plus large qu’un objectif traditionnel, ils permettent de décentrer une partie des lentilles vers le haut, via une crémaillère, et d’amplifier ainsi la surface de prise de vue, tout en gardant le boîtier parallèle à l’immeuble.

• D’une manière plus classique, on peut redresser les lignes convergentes via un logiciel de retouche. Lightroom propose des curseurs très efficaces pour régler ce problème. Je tiens quand même à souligner qu’il ne s’agit pas d’une solution miracle. Le logiciel ne permet de faire que des rattrapages légers car cette technique d’interpolation de pixels abîme la qualité du fichier. Il faudra donc disposer d’un capteur de très haute définition (au moins 20 Mpix) pour bien exploiter cette technique. De plus, Lightroom, afin de redresser les lignes, va donner à l’image une forme trapézoïdale, avec pour conséquence la perte d’une grande surface d’image lors du recadrage. Il faudra anticiper cette opération au moment de la prise de vue en cadrant bien plus large qu’on ne le souhaite ; un ultra grand-angle s’impose souvent.

Une imposante structure en métal bleu aux flancs couverts de pelouse très verte, encerclée de marches en marbre clair. Le choix du format carré rétablit l’équilibre entre les différents éléments. Canon 5D Mark III, 50 mm, f/8, 10 s, 400 ISO.

Une passerelle suspendue offre un fort effet de perspective, accentué par l’utilisation d’un ultra grand-angle. Les vitres créent des reflets et des transparences sur l’environnement extérieur. Canon 5D Mark II, 16 mm, f/11, 8 s, 100 ISO.

Une architecture très particulière pour cet immeuble recouvert de plaques de métal. Encore une fois, mon objectif est de créer un lien visuel entre le sujet et le sol, où des motifs géométriques dialoguent avec les lignes du bâtiment. L’utilisation d’un ultra grand-angle m’a permis de cadrer cette image et de remédier au manque de recul. Enfin, un petit rattrapage des lignes convergentes via un logiciel a été nécessaire. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 35 mm, f/11, 10 s, 100 ISO.

La ville surprise

Peu importe la nature du lieu et de l’architecture, la ville nocturne offre des trésors de lumière et de situations inattendues, des moments intimes ou spectaculaires où soudain, le réel raisonnable laisse place à la fantaisie. Capter l’un de ces instants est toujours la quête de mes sorties nocturnes.

La ville surprise, c’est souvent la chasse au jeu de lumières inattendu, subtilement dissimulé dans la ville de tous les jours. Je laisse l’appareil photo saisir ce qui échappe à mon regard et je tente ma chance avec une exposition longue qui superpose des éclairages différents autrement difficiles à identifier. C’est aussi la chasse au petit détail camouflé dans un paysage trop imposant qui l’écrase. C’est l’heureux hasard d’un sujet, parfois infime, jamais perçu auparavant, même si le parcours a été déjà fait des dizaines de fois, avec des dizaines de stagiaires.

Autre superbe terrain de jeu : le paysage urbain : parking d’une grande surface, chantier, viaduc qui amène à l’autoroute, magasin d’alimentation ouvert la nuit en bas de chez nous, vitrines illuminées… Pas besoin d’aller plus loin. Il suffit de se laisser porter par notre curiosité et notre intuition.

J’ai demandé un jour à un groupe de stagiaires de prendre deux photos distinctes de ce qu’ils voyaient de leur fenêtre. L’une le jour et, l’autre, la nuit. Ce qui apparaissait inévitablement banal dans l’image prise pendant la journée devenait comme par magie bien plus intrigant la nuit. Dans certains cas, la différence était vraiment flagrante : la banalité se transformait en une belle photo. Je vous propose de faire le même exercice, cela vous aidera à saisir la ville surprise…

Un détail d’une statue en marbre s’inscrit dans le mouvement d’une roue panoramique à Paris. Tous les contrastes sont là : matières, éclairages, époques… Canon 5D Mark II, 135 mm, f/11, 5 s, 100 ISO.

Un détail d’un immeuble fermé par une grille en métal. Dans ce lieu presque monochrome, la couleur orange a d’abord capté mon regard. Puis il m’est apparu que les différents volumes « rangés » dans les carrés de la grille décomposaient la scène d’une manière inattendue. Canon 5D Mark III, 28 mm, f/14, 13 s, 100 ISO.

Pour cette image, je me suis concentré sur le contraste entre l’architecture très épurée de l’hôtel et le sol extérieur abîmé. L’effet miroir de la vitrine sur la droite renforce le contraste et accentue la perspective. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 35 mm, f/11, 13 s, 100 ISO.

Ici, la perspective très puissante est accentuée par les éléments décoratifs sur le sol et les murs. Les formes géométriques du carrelage, invitent à rentrer dans l’image tout en suivant la ligne des lampadaires nous amène jusqu’au fond, là où un petit carré blanc se dessine juste au milieu de l’image. Dans ce cas particulier, j’ai décidé d’aller à contre-courant des préceptes d’exposition nocturne et j’ai surexposé de presque 3 diaphs afin de bien éclaircir les différentes textures. Canon 5D Mark II, 24 mm, f/11, 15 s, 100 ISO.

Dans cette image, couleurs et reflets se superposent d’une manière chaotique au sein d’un contexte urbain assez ordinaire. Tout se mélange : les bureaux modernes et les reflets de vitrines qui semblent collés à un immeuble ancien, les filets des voitures qui traversent l’image selon différents trajets. D’autres éléments, comme l’arbre ou le lampadaire, semblent placés au hasard. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 100 mm, f/16, 25 s, 100 ISO.

Le fort contraste entre l’aspect plutôt ordinaire des courts de tennis d’un quartier résidentiel et l’esthétique de l’ensemble des éléments a retenu mon attention. Hasselblad H1-Leaf Aptus 75, 35 mm, f/11, 8 s, 100 ISO.

Un œil attentif aux détails et l’utilisation d’un objectif macro permettent de saisir des situations souvent spectaculaires dans des contextes ordinaires. Ici, une araignée tisse sa toile sur la structure d’un feu de circulation. Un cas rare où on peut même choisir la couleur de l’image ! Canon 5D Mark II, 100 mm, f/2,8, 1/30 s, 3 200 ISO.

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Aux portes de la ville

Au fur et à mesure que l’on s’éloigne de l’agglomération, les ambiances, les éclairages, l’architecture se modifient. Puis le vide s’installe doucement, le noir trouve sa place dans nos cadrages, le bruit de la ville s’éloigne. Alors le silence prend le pouvoir et s’accompagne d’émotions nouvelles à mettre en images.

S’éloigner des lumières urbaines

Quitter le centre-ville et ses lumières hypnotiques ne signifie pas entrer de plain-pied dans le noir de la nuit. Même si on trouve souvent, en périphérie urbaine, des lieux bien éclairés, des chantiers, des centres commerciaux, des voies rapides, peu à peu, le paysage urbain laisse entrer le vide dans sa grammaire esthétique. Surgissent alors du noir des éléments séparés les uns des autres, totalement invisibles le jour car insignifiants, mis en valeur par des éclairages inattendus.

Le tissu urbain se métamorphose au profit d’une nouvelle topographie visuelle qui inspirera de nouveaux centres d’intérêt, de nouveaux modes d’expression. Il faudra quitter la sensibilité esthétique qui nous a accompagné jusqu’ici, pour se laisser tenter par des sujets qu’on aurait plutôt tendance à classer parmi les… non-sujets. Chantiers, ponts et viaducs, parkings de grandes surfaces, voies ferrées, zones industrielles… La ville n’a pas fini de nous livrer ses formes, ses textures et ses matières.

La présence du béton se fait moins source de claustrophobie, les différentes architectures ne s’entassent plus comme au centre-ville, les terrains vagues s’étendent librement. D’un point de vue photographique, c’est le moment de se laisser surprendre, de sortir des sentiers battus et de faire preuve d’imagination.

Certaines images surviennent d’une manière totalement inattendue. Je n’aurais jamais « vu » certaines photos si, par exemple, je n’étais pas descendu de voiture pour photographier un autre sujet bien plus évident et finalement moins intéressant ! La voiture a l’avantage de nous amener où l’on veut, mais finalement elle nous cache beaucoup de situations intéressantes. Mon conseil : dès que vous trouvez un territoire qui vous inspire, garez-vous et déplacez-vous à pied.

Un étang immergé dans le noir. Les reflets des arbres, mis en relief par les lueurs de la ville lointaine, révèlent la présence de l’eau. Derrière les arbres, l’éclairage d’une zone industrielle laisse passer des traces de lumière orange, seul élément de couleur dans cette image presque monochrome. Hasselblad H1-Leaf Aptus 75, 35 mm, f/8, 25 s, 100 ISO.

Un jeu graphique entre la structure de l’œuvre et les filets des voitures dessine la perspective de ce viaduc plongé dans l’obscurité. Un vent fort assure de belles textures dans le ciel. J’ai pris différents clichés avant de trouver le bon équilibre entre les deux éléments. Canon 5D Mark III, 35 mm, f/9, 30 s, 100 ISO.

Dans des images où la composition se minimalise au profit du vide, le ciel peut apporter un élément esthétique supplémentaire car, la nuit, un ciel nuageux se comporte comme un miroir. Il suffit que l’intensité du vent ou la densité des nuages change pour que les effets de lumière se modifient. Même si le sujet est statique, je conseille de prendre plusieurs clichés pour analyser ensuite les différentes textures du ciel.

Si vous vous sentez en manque d’inspiration, n’hésitez pas à libérer le boîtier du pied pour gagner en flexibilité et montez en ISO afin de réaliser des images à des temps de pose courts. Commencez un repérage visuel rapide à main levée, prenez des clichés à l’instinct, dirigez le boîtier là où vous sentez qu’il pourrait se passer quelque chose. Votre boîtier enregistrera des ambiances que peut-être vous auriez manquées ou sous-estimées. Une fois sur la bonne piste, remettez le boîtier sur pied afin de prendre des images aux ISO et aux temps de pose corrects. En me servant de ce procédé, j’ai réalisé de belles images dans des lieux que mes yeux, pourtant habitués à la nuit, n’avaient pas identifiés comme intéressants.

Une image de chantier, l’un de mes lieux de prédilection en bordure de ville. Dans ce cadrage, les différents bâtiments en construction sont tous de la même matière brute, déclinée dans des éclairages et des couleurs différents. Un filet de fumée floutée provient d’une cheminée cachée par une grue. Encore une fois, la difficulté réside dans la recherche d’un cadrage qui donne sa place à chaque élément sans étouffer les autres. Canon 5D Mark II, 120 mm, f/8, 30 s, 100 ISO.

Des voies surélevées à la lisière de la ville. Ce qui m’intéressait dans ce lieu était le rapport entre les éclairages forts qui dominent la scène et le vide qui, la nuit, modifie la lecture du paysage urbain. La forte perspective est ici accentuée par un cadrage panoramique, assez inhabituel pour moi. Le noir trouve sa place dans la composition, le traitement en noir et blanc renforce ce type de lecture. Canon 5D Mark II, 24 mm, f/8, 25 s, 100 ISO.

Une centrale électrique se reflète dans un fleuve. Au premier plan, les filets de lumière d’un train qui passe. L’arrière-plan bien éclairé m’a permis de souligner la structure de la voie ferrée, apportant ainsi un certain équilibre à la scène. Canon 5D Mark II, 28 mm, f/11, 20 s, 100 ISO.

Encore une ambiance industrielle riche en matières et en teintes estompées. Le sujet principal, les trois grues, demandait peut-être un cadrage vertical pour le sublimer davantage. Finalement, j’ai préféré une composition plus ouverte, horizontale, afin de faire cohabiter l’élément répétitif des trois grues avec le mur d’enceinte de la zone portuaire qui, lui aussi, propose des détails répétitifs. Canon 5D Mark II, 70 mm, f/11, 30 s, 100 ISO.

Le port, la mer : des ambiances particulières

Les ports constituent un sujet esthétiquement très intéressant pour les prises de vue nocturnes. Les opérations de chargement et déchargement sont souvent longues et les navires restent en pleine activité même la nuit. Les éclairages sont généralement riches et complexes, les éléments architecturaux y sont assez variés et la présence de l’eau apporte un élément supplémentaire à la composition.

Seule contrainte dans la plupart des ports français : les quais sont protégés par des filets de métal et même des caméras de surveillance. Difficile d’y pénétrer pour s’approcher des navires. Il faut s’aventurer dans des zones où la surveillance est moins stricte ou s’éloigner vers la partie dédiée à la pêche, où l’accès ne pose quasiment jamais de problème. Une chose est sûre, dans ce cadre de prise de vue, je prends toujours avec moi mon téléobjectif et j’essaie de repérer des points de vue en hauteur afin de pousser mon regard au-delà des obstacles visuels.

Loin de l’activité fébrile d’un cargo en plein chargement au milieu de la nuit, on se laisse parfois charmer par les lumières douces des petits ports, souvent calmes et silencieux, qui inspirent des images plus intimes.

Dans ces lieux, nos mouvements sont plus libres, on s’attarde à repérer les différents sujets. Comme toujours, nous sommes instantanément attirés par des éclairages forts puis, à mesure que l’on s’imprègne du lieu, notre regard se fait plus subtil. Et nos images témoignent des mille attraits d’un port plongé dans le noir.

Des grues au travail. Je n’ai pas hésité à régler un temps de pose long même si un certain flou est visible sur les bras en mouvement. Les détails de ces structures en fer sont mis en valeur par une faible sensibilité et une ouverture à f/22. L’éclairage des ampoules industrielles aux vapeurs de sodium donnait une dominante très orangée. Un rattrapage de la balance de blancs au post-traitement s’est imposé. Je n’ai pas cherché un rendu fidèle à la réalité du lieu, mais en phase avec mes envies. Canon 5D Mark II, 85 mm, f/22, 30 s, 100 ISO.

La marée basse fait surgir les reflets du sable au fond de l’eau, éclairée par deux lampadaires dans ce petit port plongé dans la nuit. Une image dense et noire pour une ambiance de solitude silencieuse. Canon 5D Mark II, 35 mm, f/16, 30 s, 200 ISO.

Un navire à l’ancre dans les eaux calmes d’un port. Une ouverture assez fermée assure un bon rendu aux nombreux détails de la structure du bateau. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 100 mm, f/23, 32 s, 100 ISO.

Une ambiance polar à la Simenon pour ce bateau de pêche dans le calme de la nuit. Les halos des lampadaires surgissent d’un brouillard soudain, arrivé de l’océan. Je prends mon temps et réalise différents clichés, juste pour savourer ce moment de silence et de calme dans un lieu propice à la réflexion. Canon 5D Mark II, 50 mm, f/11, 20 s, 100 ISO.

J’ai tenté ici de mettre en valeur les aspects graphiques que l’on peut trouver dans un port en pleine activité nocturne. La proue du bateau a d’abord attiré mon regard. J’ai ensuite décidé d’élargir le cadrage pour la faire cohabiter avec d’autres éléments de la scène : la grue en mouvement, les éclairages du navire et du lampadaire, leurs reflets sur l’eau. Canon 5D Mark II, 55 mm, f/22, 30 s, 100 ISO.

Isoler un sujet, composer avec le vide

Le vide, représentation de l’espace mal éclairé ou noir de nos périphéries, joue un rôle déterminant dans la composition de l’image la nuit. Voilà la grosse surprise sur laquelle s’appuie mon regard dès que le vide devient le véritable sujet de mes images. Je dis toujours à mes stagiaires qu’il ne faut pas avoir peur du noir, dans le sens où, esthétiquement, c’est une partie de l’image qui doit trouver sa place dans la photographie nocturne et qui, graphiquement et visuellement, permet de rééquilibrer les volumes et la lumière.

Comme je l’ai dit dans le chapitre précédent, en ville, je suis toujours capté en premier par la lumière. C’est à travers elle que je cherche un sujet sur lequel construire l’image. En revanche, dans les banlieues, les terrains vagues, tout comme dans les petits ports ou les axes routiers, je suis bien plus attiré par le noir que par la lumière.

Dans ces lieux, je retrouve de manière frappante mes habitudes de travail en studio. En effet, comme dans mon travail de photographe de nature morte, je prends mon temps pour étudier le sujet, sa nature, ses matières, ses volumes. Les gestes sont les mêmes : le choix de l’objectif, l’utilisation du pied, la nature du cadrage… Seule la lumière m’est imposée dans ces moments suspendus où je me laisse imprégner par le lieu et où parfois la photo n’est qu’un prétexte à la réflexion.

Plus que la technique, c’est le cadrage qui entre en jeu, établissant le rapport entre le sujet et le vide. Les façons de le construire sont multiples. On peut noyer le sujet dans le noir de la nuit afin d’amplifier une sensation de solitude ou, au contraire, remplir l’image d’une symétrie.

Probablement constituée de gravats, une petite colline s’élève aux abords d’une zone industrielle. Sa simplicité m’a donné envie de l’isoler dans un cadrage minimaliste. Les arbres remplissent l’espace du cadre, entre le tiers et la moitié du format. Hasselblad H1-Leaf Aptus 75, 100 mm, f/5,6, 32 s, 100 ISO.

J’ai cherché la symétrie des éléments avec ce lampadaire en zone industrielle, placé au milieu pour séparer les deux moitiés parfaitement identiques de l’image. Hasselblad H1-Leaf Aptus 75, 50 mm, f/10, 32 s, 100 ISO.

On pourrait évoquer des règles classiques, comme celle qui consiste à placer le sujet sur un tiers de l’image – même si, personnellement, je trouve cette règle trop restrictive car elle banalise la composition : je vois tellement de photos de mes stagiaires où le sujet est sagement placé au tiers du cadrage ! Ce qui compte vraiment c’est l’équilibre entre la lumière et le noir. C’est ce qui donnera une épaisseur à votre image. Si, de jour, la question de centrer le sujet au milieu ou sur un tiers de l’image est légitime, la nuit, c’est souvent un problème secondaire. L’équilibre entre le clair et l’obscur, cette balance éclairage-noir de la lumière, joue un rôle bien plus important dans des lieux où les éléments visuels sont rares et où la composition se minimalise.

La lumière d’un lampadaire s’étale dans un espace vide. Les différentes textures sont en réalité le véritable sujet de cette image. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 100 mm, f/11, 13 s, 100 ISO.

Un train transite sur une voie ferrée plongée dans le noir. Seul le filet laissé par ses lumières et le panneau de limitation de vitesse sortent de l’obscurité. Canon 5D Mark II, 45 mm, f/13, 20 s, 100 ISO.

Une image à forte connotation graphique. La structure en béton d’un pont qui surplombe une voie routière et les filets des phares des voitures qui passent forment une scène presque abstraite. Canon 5D Mark II, 70 mm, f/8, 30 s, 100 ISO.

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Les couleurs de la nuit

La nuit, l’éclairage artificiel transforme les volumes, révèle de nouvelles formes et de nouvelles couleurs, change profondément notre perception du réel. Nous y sommes accoutumé dans notre vie quotidienne mais, dès que l’on prend l’appareil photo, notre regard se fait plus sensible, plus attentif à ces changements. D’abord sollicité par des questions techniques, nous nous laissons vite capturer par cette nouvelle vision des choses qui nous séduit et nous dépayse.

Comment la nuit maquille le réel

C’est probablement dans le rendu des couleurs que la nuit nous offre ses premières belles surprises. Intenses et spectaculaires en ville ou faibles et subtiles dans des lieux isolés, les couleurs creusent le noir et créent des contrastes inattendus.

Au moins 4 sources de lumières étaient présentes dans cette scène. J’ai décidé de respecter la couleur de l’éclairage du building en choisissant la balance des blancs automatique (toujours efficace avec du néon, même coloré) tout en laissant les autres sources dériver vers des tonalités plutôt vertes. Ensuite, dans Lightroom, une désaturation partielle de la tour et des lampadaires du périphérique m’a permis de retrouver un équilibre agréable de l’ensemble des couleurs. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 35 mm, f/16, 20 s, 100 ISO.

La nuit, contrairement au jour, nous sommes souvent face à des éclairages multiples, à différentes sources lumineuses qui donnent lieu à des interprétations chromatiques variables selon la balance des blancs paramétrée sur le boîtier. En ville notamment, on se retrouve fréquemment dans la situation où les lampadaires aux vapeurs de sodium se mixent aux vapeurs de mercure ou à du néon, tandis qu’une dernière lueur de soleil crépusculaire ajoute son éclairage à la scène. Comme on l’a vu dans le premier chapitre, la balance des blancs automatique est souvent un bon point de départ dans des conditions d’éclairage mixte, tout comme la balance des blancs Tungstène (ou Incandescente) l’est dans les situations où l’éclairage de lampadaires publics prédomine. À la fin de ce chapitre, nous verrons par ailleurs comment rattraper la balance des blancs à l’ordinateur, la plupart des logiciels de traitement étant bien plus performants dans ce domaine que n’importe quel réglage paramétrable sur nos APN.

L’éclairage concentré d’une station-service transperce la nuit. L’arrière-plan glisse dans le noir tout comme le sol, non touché par l’éclairage. Les couleurs ressortent ainsi intenses, très contrastées. Canon 5D Mark II, 70 mm, f/11, 2 s, 100 ISO.

Mon analyse de la nuit en couleurs se base donc sur le fait que la balance des blancs ne peut rééquilibrer qu’une seule source lumineuse, le plus souvent celle qui domine. Les autres éclairages produiront, eux, des couleurs inattendues, souvent agréables, assez éloignées du réel dans la plupart des cas, mais donnant une vraie force à l’image.

C’est dans ce cadre que je me laisse tenter par le maquillage du réel par les couleurs de la nuit. Celui-ci se fera en partie tout seul, grâce à la transformation des différentes sources de lumière avec un seul réglage de balance des blancs. Je peaufine ensuite le rendu global de l’image, agissant avec des saturations ou désaturations partielles des différentes couleurs, par l’intermédiaire de mon logiciel de post-traitement. Le but est ici de jouer avec les couleurs, les sensations infinies que nous offre la nuit. Encore une fois, dans cette démarche de maquillage, je m’éloigne d’une représentation réelle de la scène nocturne pour me livrer à une stylisation souvent très séduisante.

Un ruban en plastique, accroché au filet métallique d’un chantier. Sa couleur, intensifiée par un arrière-plan totalement noyé dans le noir, se détache de l’ensemble monochrome. Le rouge du ruban, aussi attirant soit-il, n’est pas un élément suffisant pour assurer un bon cliché ; la composition est fondamentale pour que se crée un équilibre visuel avec la structure du filet. Canon 5D Mark II, 85 mm, f/5,6, 1/40 s, 1 600 ISO.

Une étonnante structure d’acier peinte en rouge se détache dans la nuit. Difficile de l’isoler complètement dans le noir à cause de la nature du paysage urbain. Cependant, la couleur rouge et la structure de l’installation offrent deux points d’accroche intéressants. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 50 mm, f/11, 16 s, 100 ISO.

Même au crépuscule, les occasions de maquiller le réel ne manquent pas. La lumière du jour, encore assez présente, garde intacts les détails de l’architecture de ce pont sur la Seine, tout en permettant à une péniche qui passe d’imprimer ses filets de lumière. Canon 5D Mark II, 85 mm, f/22, 30 s, 100 ISO.

Sans aller chercher des hasards liés aux différentes interprétations de la lumière par la balance des blancs, j’aime aussi travailler la couleur d’une manière plus simple, presque minimaliste. Pour cela je me sers des arrière-plans noirs que la nuit nous propose. C’est un schéma de lumière que l’on rencontre souvent : un sujet bien éclairé se détache d’un arrière-plan plongé dans le noir de la nuit. C’est le cadre idéal pour que la couleur soit mise en valeur d’une manière plus naturelle, mais tout aussi spectaculaire.

Le cadrage joue aussi un rôle fondamental dans la construction de ce type d’images. Il faut à mon avis préserver une attitude minimaliste : un seul sujet, bien entouré de noir, devrait trouver place dans l’image. La couleur prendra ainsi un aspect tridimensionnel donnant une épaisseur particulière à la photo.

La lumière du crépuscule

C’est à la tombée du jour, ce moment précieux appelé « entre chien et loup », qui dure à peine une dizaine de minutes en hiver et un peu plus d’une heure en plein été, que les balades nocturnes peuvent commencer.

Juste après le coucher du soleil, si l’on tourne l’appareil vers l’horizon, là où le soleil vient de disparaître, le ciel garde encore un éclairage « lumière du jour » qui se mélange aux lumières artificielles, tandis que la ville se découpe sous forme de silhouettes. Hasselblad H1-Leaf Aptus 75, 35 mm, f/11, 20 s, 100 ISO.

L’aspect de nos images se métamorphose au fur et à mesure que le temps passe et que la lumière évolue. Lorsque l’on est encore loin de la nuit noire où seules les lumières artificielles éclaireront nos prises de vue, on doit encore prendre en considération la présence du soleil, sauf qu’il ne diffuse plus une lumière directe qui se répand sur le sol mais un éclairage indirect qui monte vers le ciel. Plus le soleil descend sous de la ligne d’horizon, plus nos images prennent des couleurs douces et estompées. Les détails perdent en intensité, les formes de la ville se muent en silhouettes, la lumière du soleil cohabite encore avec l’éclairage artificiel qui se met doucement en place.

Une image d’un crépuscule dans sa dernière phase, avant que la nuit ne chasse définitivement l’éclairage du soleil. La lumière est très douce, les contrastes s’atténuent, les effets de silhouettes sont moins nets. Le soleil, désormais loin de la ligne d’horizon, envoie des lueurs éteintes qui se répandent en reflets sur l’eau. Hasselblad H1-Leaf Aptus 75, 100 mm, f/23, 1,4 s, 100 ISO.

Une dernière touche de bleu dans un ciel qui désormais appartient à la nuit. Dans cet espace vide en pleine campagne, deux lampadaires se disputent le rôle du sujet ; en réalité, ils n’étaient pour moi qu’un prétexte à jouer avec les différentes déclinaisons de cette fin de crépuscule. Canon 5D Mark II, 24 mm, f/16, 30 s, 100 ISO.

Deux grues qui se reflètent dans un bassin. Une sous-exposition d’1 diaph 2/3 dans le ciel m’a permis de renforcer l’effet de silhouette des grues et de réduire au maximum les détails, au sol, qui brouillaient l’esprit graphique de ce cliché. Canon 5D Mark II, 50 mm, f/11, 8 s, 100 ISO.

Si l’on veut jouer avec des effets de silhouettes noires qui se dressent sur un ciel au bleu dégradé, il faudra profiter de la première partie du crépuscule, là où la présence du soleil est encore forte, la lumière plus contrastée et l’éclairage artificiel du sol très peu présent voire inexistant.

Plus on avance vers la nuit, plus l’éclairage du soleil dans le ciel s’affaiblit, les couleurs sont plus nuancées. Le contraste baisse également, l’éclairage artificiel de plus en plus présent prend de la force dans l’image, dans la façon de faire cohabiter des sources si différentes. C’est probablement mon moment préféré, surtout si je suis loin de la ville. En été, les palettes de teintes se déclinent presque à l’infini. Ce sont des moments magnifiques pendant lesquels je ne suis pas pressé que la nuit arrive. Je m’imprègne du silence, du calme et à chaque belle image je me dis : attends, ne pars pas, dans 5 minutes elle sera encore meilleure…

Il suffit de tourner le dos au soleil couchant où les éclairages sont encore forts et contrastés, pour trouver la ville déjà plongée dans une obscurité aux contrastes et aux teintes plus douces. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 100 mm, f/8, 16 s, 100 ISO.

Créer la surprise

La nuit révèle des détails invisibles à la lumière du jour. Ils deviennent vite l’objet d’une petite chasse au trésor. Les plus belles surprises résident souvent dans des détails insignifiants mis en vedette par la lumière d’un lampadaire.

On l’a désormais compris : la nuit transforme la ville et ses textures d’une manière surprenante. Notre vison de la couleur, donc notre « balance des blancs » personnelle, a très peu en commun avec celle de notre APN. Notre œil n’est pas toujours en mesure de saisir les nombreux sujets qui se manifestent dans l’obscurité ni de percevoir un sujet qui sera enregistré avec un temps de pose de plusieurs secondes, voire plusieurs minutes. Le noir et blanc est lui aussi difficile à prévisualiser. Il faut assumer toutes ces limites et apprendre à développer une nouvelle vision photographique propre à la nuit.

Des gouttes d’eau sur un pare-brise. L’éclairage d’un unique lampadaire crée ici la surprise et transforme l’eau en éclats de lumière. Une grande ouverture m’a permis d’amplifier le flou et la texture. Canon 5D Mark II, 100 mm, f/2,8, 1/50 s, 3 200 ISO.

L’expérience joue un rôle primordial. Ainsi, l’étude de nos images nous indiquera comment développer cette nouvelle sensibilité, adaptée à la ville que l’on habite ou qui nous inspire, à nos sujets préférés, mais aussi à notre matériel photo et à notre savoir-faire au moment du traitement.

Formes et couleurs d’un arbre secoué par le vent dans cette prise de vue en contre-plongée. L’éclairage des lampadaires était assez fort et contrasté. Pour bien déboucher les ombres dans les branches et amplifier les couleurs, j’ai opté pour une surexposition d’1 diaph. Canon 5D Mark III, 50 mm, f/11, 5 s, 1 600 ISO.

Pour voir comment notre sensibilité est en mesure de s’ajuster à la nuit, il suffit de faire le même parcours au cours de deux ou trois séances de prises de vue séparées dans le temps. Chacune de ces séances nous permettra de peaufiner notre regard sur la nuit, tandis que l’étude des images précédentes nous montrera ce qui nous a peut-être échappé la première fois et nous inspirera de nouveaux sujets. Nous irons plus loin, nous nous éloignerons d’une vision superficielle du lieu, pour chercher l’inattendu, les détails surprenants, des photos qui prendront une forme définitive après un certain travail au post-traitement que l’on a déjà en tête…

Jeu de lumières créé par mon boîtier énergiquement secoué face aux lampadaires d’une rue de Paris. Je montre souvent cette image à mes stagiaires pour bien leur faire comprendre que la nuit est en mesure de nous révéler des images qui ne peuvent pas exister le jour ! Pour ce style d’image abstraite, je conseille de bien fermer le diaphragme afin que les traits soient bien nets. Canon 5D Mark II, 70 mm, f/11, 30 s, 100 ISO.

Et c’est à ce moment que l’on aura de belles surprises, car notre regard aura appris à se poser un peu partout, conscient que les belles images ne sont pas toujours à la surface des choses mais qu’il faut souvent se livrer à une petite chasse au trésor sur des sujets abstraits, des surfaces anonymes, dans des lieux improbables à la recherche de détails insignifiants.

Des fleurs et des plantes en contre-jour avec, au fond, les lumières d’une périphérie urbaine. Je m’étais arrêté sur le bord de cette route après avoir repéré un sujet intéressant un peu plus loin. Je n’aurais jamais saisi cette image si je n’avais pas adopté mon attitude favorite qui est de regarder autour de moi au cours de l’exposition, qui peut durer assez longtemps. Canon 5D Mark II, 50 mm, f/2,8, 0,5 s, 100 ISO.

Les lampadaires aux vapeurs de sodium d’un pont parisien donnent une allure dorée à la structure d’un embarcadère, partiellement submergé par le niveau assez haut de la Seine. La partie noire en haut de l’image apporte un équilibre visuel entre la structure en métal, ses reflets dans l’eau et la couleur, véritable sujet de cette photographie. Canon 5D Mark III, 100 mm, f/29, 30 s, 100 ISO.

Les éclairages donnaient à ce lieu une dominante jaunâtre qui étouffait la belle couleur du filet. Plutôt que de tenter de rattraper la balance des blancs, j’ai préféré passer la structure du pont en noir et blanc au post-traitement, tandis que le filet du train conservait ses informations couleur. Hasselblad H1-Leaf Aptus 75, 35 mm, f/14, 32 s, 100 ISO.

Laboratoire numérique : traiter une image couleur

Je pars du principe que nos images réclament systématiquement un traitement à l’ordinateur avec un logiciel spécifique, qu’il s’agisse d’améliorer leur rendu final ou de les transformer afin de les rendre plus conformes à nos attentes esthétiques.

Je rencontre à ce sujet différentes sensibilités chez mes stagiaires. Certains préfèrent essayer d’obtenir le meilleur résultat à la prise de vue, en faisant appel, si nécessaire, à certains réglages paramétrables sur le boîtier (saturation, luminosité, traitement monochrome, etc.). D’autres, comme moi, acceptent le fait que la photographie commence avec un appareil photo et se termine par un traitement qui finalisera l’image. Évidemment il ne s’agit pas de traiter la totalité des images enregistrées lors d’une sortie, mais seulement celles retenues comme étant les meilleures (dans mon cas, entre 10 et 20 %).

On pourrait passer un temps fou à analyser la multiplicité des logiciels présents sur le marché. Il existe en effet une offre de plus en plus vaste, qui répond à une demande croissante de la part de photographes de plus en plus conscients de l’importance de la phase du traitement. On peut, par simplicité, opter pour le logiciel édité par la marque de son appareil (et généralement livré avec), ou faire appel à ceux proposés par des éditeurs externes. Ces derniers sont souvent plus performants et offrent plus de latitude en ce qui concerne la palette de modifications d’une image.

Je conseille de ne choisir qu’un seul logiciel qui puisse couvrir toutes les étapes d’un traitement de l’image, même poussé, mais qui soit également adapté à la phase très importante qui précède le traitement, c’est-à-dire, l’editing et le tri des images. Il me semble en effet très important d’éviter de passer d’un logiciel à un autre pour assurer les différentes tâches (gestion de la bibliothèque, tri, traitement, préparation d’un fichier selon son utilisation finale) car c’est une perte de temps qui casse le rythme de travail. Au contraire, un logiciel rapide et convivial permet à lui seul de multiples variations artistiques.

Mon choix personnel se porte sur Lightroom pour toutes les phases (editing, tri, différents traitements couleur et noir et blanc) mais il m’arrive aussi d’utiliser Photoshop, pour des retouches précises uniquement. Il démontre là ses incontournables avantages par rapport à n’importe quel autre logiciel.

Sur la droite du module Développement de Lightroom, on retrouve tous les outils dédiés au traitement, regroupés en onglets qui ne sont pas toujours dans le bon ordre. Par exemple, l’outil recadrage (cerclé en rouge) n’est pas le premier réglage que je conseille de faire. Il vaut mieux passer par le traitement de base avant de décider quelles sont les parties de l’image à rogner.

Nous allons maintenant analyser les étapes d’un traitement couleur dans Lightroom. Les outils que l’on évoquera sont également disponibles dans la majorité des logiciels dédiés au traitement. Si vous n’arrivez pas à trouver ces éléments, c’est le moment de changer de logiciel !

Nous voici face à notre image, si possible au format RAW, importée dans le module de développement d’images de Lightroom. Dans l’onglet des réglages de base, sur le panneau de droite, nous trouvons des outils adaptés à un traitement de premier niveau, c’est-à-dire un traitement qui sert uniquement à retrouver les éclairages et l’ambiance de la scène. C’est une phase que j’estime obligatoire car elle sert à surmonter certaines limites des boîtiers, même les plus performants. Les interventions artistiques étant limitées, elle sera donc rapide.

1re étape : la balance des blancs

Pour commencer, il faut souvent opérer un rattrapage de la balance des blancs (BdB). Dans l’onglet Réglages de base, on trouve en première position l’outil dédié à la BdB. Parmi les différentes options proposées, il y a rarement ce qu’il nous faut (mais le Tungstène est parfois un bon choix) ; dans la plupart des cas, il faut utiliser la pipette pour cibler un élément neutre dans l’image et saisir manuellement une BdB correcte.

Afin de bien cibler le pixel de référence pour la BdB, on peut modifier l’échelle de la loupe. En même temps que l’on sélectionne une couleur neutre sur l’image avec la pipette, on a un aperçu du rendu final dans l’onglet Navigation, en haut à gauche.

Les modifications de la BdB affecteront l’ensemble de l’image. Il faudra donc bien choisir l’endroit sélectionné avec la pipette afin que la colorimétrie de l’image ne soit pas faussée. Depuis la version 4.1, Lightroom propose une modification partielle dans les curseurs du Filtre gradué, une façon de traiter séparément la BdB dans les différentes parties de l’image.

2e étape : l’exposition

Lightroom propose différentes possibilités de rattrapage et/ou de modification de l’exposition de l’image.

Même en travaillant en mode Manuel (voir chapitre 1), il s’avère très compliqué de reproduire fidèlement les différents éclairages d’une scène nocturne. Dans la majorité des cas, une sous-exposition d’un diaphragme nous rapproche de la réalité. Cependant, cela reste une exposition moyenne et certaines zones d’ombre ou au contraire très claires peuvent avoir un rendu non optimal. Dans ces nombreux cas, plutôt que d’utiliser le curseur Exposition de Lightroom afin de rattraper l’exposition de l’ensemble des valeurs de l’image, je conseille de modifier partiellement les différents éclairages avec les quatre curseurs : Hautes lumières/Ombres/Blancs/Noirs. Ils couvrent l’ensemble d’une zone d’exposition tout en nous réservant la possibilité d’y intervenir partiellement.

Le curseur Exposition devient ainsi secondaire et n’intervient plus que dans le rattrapage d’une exposition globalement ratée ou juste après avoir utilisé les quatre curseurs séparément pour rééquilibrer l’ensemble.

Pour cette image qui présente une très large palette de luminances, j’ai choisi de sous-exposer d’un diaph +1/3 à la prise de vue. Ensuite, dans Lightroom, j’ai utilisé les différents curseurs de l’exposition pour retrouver un équilibre des lumières. Tout d’abord, j’ai poussé à fond (-100) celui des blancs pour retrouver les détails de l’intérieur de la pièce. J’ai durci les Noirs (-20) pour redonner du volume à la pierre de la façade et retrouver des détails dans les parties plus sombres. Enfin, j’ai débouché les Ombres (+20) et les Hautes lumières (+5).

3e étape : les détails

La plupart des appareils photo, en particulier les reflex, intègrent un filtre dit « passe-bas ». Celui-ci améliore la qualité de l’image dans les zones présentant des couleurs uniformes avec peu de détails (un ciel bleu, de la peau…), évitant ainsi des artefacts comme le moiré sur des zones très texturées (par exemple les tissus). En revanche, les détails les plus fins seront lissés et une certaine récupération s’impose. Pour cela Lightroom propose, dans l’onglet Détails, des outils de récupération de netteté assez bien conçus.

Pour des images qui présentent des éléments détaillés (c’est souvent le cas la nuit pour le paysage urbain, l’architecture), je paramètre le Gain de netteté entre 60 et 90 selon le sujet, et le Rayon (une sorte de sensibilité du Gain) à 1,3. D’une manière plus avancée, le Masquage est très efficace pour accentuer les détails sans créer d’artefacts dans les zones homogènes de l’image comme le ciel et les nuages.

Si l’image est prise à des ISO élevés, j’évite cette étape du traitement, car une augmentation de la netteté renforcerait le bruit de l’image. Je considère d’ailleurs les photos aux ISO élevés comme des images où la clé de lecture ne se situe pas dans l’appréciation des détails, enfin je l’espère !

On peut ignorer cette étape si on utilise certains boîtiers dépourvus de ce filtre passe-bas. C’est le cas, entre autres, de tous les appareils moyen format numériques, des Leica M, des Sigma, des Nikon D800E et D7100 entre autres.

Dès que des éléments texturés et détaillés apparaissent dans nos images, un traitement de récupération de la netteté s’impose. J’utilise l’outil Détails de Lightroom. Ici, le Gain est à 70 et le Rayon à 1,5. La différence avec l’image brute est flagrante.

Le plus souvent, la nuit, le seul traitement d’exposition que mes fichiers réclament concerne les noirs. Ici, j’ai poussé les noirs à -50 pour retrouver une ambiance nocturne très texturée et bien contrastée.

4e étape : la correction de l’objectif

On peut ajouter à ces premières étapes de traitement une quatrième fonction de Lightroom : la Correction de l’objectif, qui permet de corriger la déformation et le vignetage. Il suffit de cocher l’activation de Correction de profil pour que Lightroom aille chercher, dans les infos EXIF du fichier, le modèle d’objectif utilisé et les paramètres de correction préétablis. Dans la version 5, la liste des objectifs pour lesquels Lightroom propose des corrections est plutôt exhaustive. Dans mon travail d’architecture urbaine, c’est une fonction vraiment importante dès que j’utilise des ultra grands-angles, afin de minimiser les déformations induites par ces objectifs.

Les autres réglages

Dans le dernier cadre des Réglages de base, nommé Présence, on trouve les curseurs Clarté, Vibrance et Saturation. Sans aller trop loin dans les multiples possibilités de Lightroom, voici quelques lignes concernant ces trois éléments dédiés au traitement de la couleur, très intéressants pour notre travail d’optimisation des images nocturnes.

La Clarté positive (vers la droite) provoque un renforcement du microcontraste local qui permet d’augmenter l’effet de profondeur de l’image et de rendre les différentes textures et les couleurs plus présentes. À ne pas confondre avec le Contraste ou la Netteté, la Clarté est un outil qui accentue l’impact visuel d’une image. Je l’utilise sans modération dans mes images nocturnes car elle renforce la perception des volumes de la ville et de ses textures colorées. Si on déplace le curseur vers la gauche, on obtient l’effet contraire – un lissage de l’image peut-être plus adapté à un certain style de photo de portrait qu’à la photo de nuit…

Les différentes textures du pont et de la lumière sur l’eau sont renforcées par une Clarté à +80. Les dernières versions 4 et 5 de Lightroom ont beaucoup amélioré le rendu de la Clarté à ces valeurs élevées, supprimant des halos qui apparaissaient sur les versions précédentes, tout en donnant un effet plus marqué.

Après la Clarté, on trouve la Vibrance qui sert à renforcer ou au contraire à atténuer la présence de la couleur dans l’image. Vers la droite, le curseur renforce la couleur d’une manière assez nuancée et crédible. Vers la gauche, on perd de la couleur sans pourtant arriver au noir et blanc. C’est un outil très efficace pour augmenter ou baisser les teintes peu saturées sans écrêter les couleurs vives.

Après un rattrapage de la balance des blancs qui a enlevé la dominante jaunâtre, les couleurs de la scène sont renforcées avec une Vibrance à +25 couplée à une Clarté à +50. Les différents plans de l’image se détachent et les couleurs prennent du relief.

La Saturation a à peu près la même fonction que la Vibrance, mais son impact sur les couleurs est plus fort et contrasté. À utiliser avec beaucoup de modération. Personnellement, je lui préfère la Vibrance. En poussant le curseur vers la gauche, on obtient une perte progressive des informations couleur jusqu’à obtenir un effet monochrome à -100.

Pour cette image, comme je le fais très souvent, j’ai poussé la Clarté à droite (ici, à +50). J’ai réduit la présence de la couleur avec une action couplée : Vibration à -25 pour diminuer la couleur dans l’ensemble des éclairages et Saturation à -70 pour m’approcher du noir et blanc. Le résultat renforce les différentes structures et plans de la scène, et la colorimétrie ne garde qu’une légère dominante bleue et froide, en harmonie avec l’ambiance du lieu.

POUR RÉSUMER

Un traitement de base s’impose aux fichiers afin de retrouver les ambiances de la prise de vue nocturne. Concernant le logiciel à utiliser, mon choix se porte sur Lightroom pour sa flexibilité, sa puissance et sa convivialité. D’autres logiciels sont évidemment adaptés s’ils peuvent vous suivre dans ces quatre passages fondamentaux :

traitement manuel de la balance des blancs ;

traitement de l’exposition décliné séparément sur les blancs, les tons clairs, les tons foncés, les noirs ;

traitement de la netteté ;

corrections des objectifs.

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La nuit monochrome

Le noir et blanc est une abstraction du réel car il n’y a rien de réel quant à la transcription des couleurs de la nuit en nuances de gris. C’est donc avant tout une question de style, un choix esthétique, subjectif par définition.

Renoncer à la couleur, voir autrement

Les couleurs se suffisent souvent à elles-mêmes, alors que l’image en noir et blanc propose une interprétation plus minimaliste, dans sa lecture et sa composition. Les arrière-plans s’estompent, les lumières qui définissent notre sujet surgissent du noir. La texture devient alors un élément primordial des images monochromes.

Un lampadaire parisien dessine les textures de la ville ancienne. Sa présence centrale équilibre ici les différents jeux de lumière sur la pierre à l’arrière-plan. Une sous-exposition d’un diaph, nécessaire pour retrouver l’ambiance nocturne, augmente le contraste global de l’image et enterre certaines nuances foncées. Un travail d’adoucissement s’impose au moment du traitement avec Lightroom. Canon 5D Mark II, 110 mm, f/22, 5 s, 100 ISO.

Comment savoir qu’un sujet est adapté au noir et blanc ?

C’est souvent un choix personnel, une question de sensibilité. Il m’arrive régulièrement de réaliser des images que je garde en version couleur et en version noir et blanc sans que je puisse définir laquelle est la meilleure. Ce sont souvent deux images « différentes », qui inspirent deux lectures d’un lieu, d’une scène. Un seul conseil : laissez-vous guider par votre instinct, transporter par votre imagination, essayez de « penser » en noir et blanc, de prévisualiser vos clichés sans les couleurs. Ceux qui ont pratiqué l’argentique ont probablement déjà appris à le faire.

En numérique, si on choisit le réglage adéquat dans le menu dédié aux styles de prise de vue, l’écran du boîtier peut afficher une image monochrome. Même si cet aperçu est loin de représenter une image noir et blanc finalisée, cela reste un bon moyen de développer une vision monochrome du réel. Petite précision : cette possibilité de profiter d’une vision monochrome sur l’écran de notre APN est conseillée uniquement si vous optez pour le format RAW car, au format JPEG, le boîtier efface toute information couleur (on verra plus loin quels sont les avantages du format RAW par rapport au JPEG pour finaliser ses images en noir et blanc).

Deux versions d’une même scène. Dans la version en couleurs, les matières du pont et du quai sont un prétexte pour conduire le regard vers les couleurs de la ville qui s’expriment à l’arrière-plan. La version noir et blanc donne une lecture totalement différente, où les différentes textures des lumières et des matières dialoguent, donnant un ensemble équilibré, riche en détails. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 35 mm, f/27, 64 s, 50 ISO.

Un possible point de départ pour se décider pour le noir et blanc est d’envisager de supprimer la couleur quand elle n’apporte rien à l’image. La nuit, on est souvent face à des sujets uniquement éclairés par des lampadaires qui apportent leur dominante jaunâtre et rien de plus. Que nous nous trouvions en périphérie d’une ville, dans des zones industrielles ou dans un port, ces lieux nous inspirent de belles images, mais nous ne sommes pas attirés par leurs couleurs car ils en sont finalement dépourvus.

Les principaux réglages

Inutile aussi de peaufiner la balance des blancs à ce stade, car elle représentera une dominante couleur rarement intéressante. Face à ce genre de sujets, je suis attiré par ce qui représente pour moi l’essentiel : la façon dont la lumière dessine sa trame dans le noir. Tout en prenant la photo, je sais déjà comment le traitement en noir et blanc dans Lightroom achèvera de donner forme à mes souhaits.

Un avant-après pour cette image citadine. La forte dominante orange des lampadaires du périphérique parisien étouffe les textures du paysage urbain. Inutile de chercher une balance des blancs adaptée ; dans ces conditions d’éclairage, le noir et blanc est souvent la solution pour donner de l’ampleur aux différents éclairages et textures de la ville. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 50 mm, f/16, 32 s, 50 ISO.

La lecture de cette image repose sur le rapport entre les zones éclairées et le noir de la nuit. J’avais d’abord tenté d’écarter le pont pour me concentrer sur les rails. J’ai ensuite compris qu’il fallait mettre en relation tous les éléments de cette ambiance industrielle. Les zones noires sont régulièrement cassées par des détails de lumière qui permettent ainsi de rentrer dans les différents plans de l’image. Canon 5D Mark II, 70 mm, f/16, 30 s, 100 ISO.

Mon regard a été capté par la singularité de cette ombre triangulaire sous un pont parisien. La perspective, marquée par les clairs-obscurs du quai, m’a immédiatement inspiré une image en noir et blanc. Au post-traitement, il n’a pas été nécessaire de travailler beaucoup le rendu, bien interprété au moment de la prise de vue par une sous-exposition de 2 diaphs. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 100 mm, f/16, 13 s, 100 ISO.

Le brouillard est l’un de mes sujets noir et blanc préférés. La suppression des couleurs amplifie l’effet de diffusion de la lumière qui estompe les détails. Les contrastes sont moins tranchés, les nuances de gris plus douces, les plans moins détachés. Une ambiance particulière s’installe, l’image se fait silencieuse. Canon 5D Mark II, 40 mm, f/8, 15 s, 100 ISO.

La montée en sensibilité des appareils reflex nous donne désormais la possibilité de travailler à 6 400 ou 12 800 ISO avec une remarquable gestion du bruit qui minimise ses défauts et les rend même imperceptibles dans la plupart des utilisations. Même si cette souplesse s’applique également à la couleur, c’est surtout en noir et blanc et pour des prises de vue de type reportage que l’on ressent le besoin de travailler sans la contrainte du pied.

Comme je l’ai déjà dit auparavant, lorsque les sujets sont statiques, je privilégie la sensibilité native du capteur pour un meilleur rendu de l’image et des détails. Mais la nuit, particulièrement en ville, nous offre d’autres sujets : les gens, la foule dans le métro, les lieux de rencontre, les concerts… Avec ces sujets j’adopte une attitude plus proche du reportage. J’ai envie de figer les mouvements ; mon regard et les réglages de mon boîtier sont alors adaptés à la photo de rue. Je monte dans ce cas la sensibilité à 3 200 ISO minimum, je choisis le mode Priorité ouverture avec un diaphragme réglé à f/1,8 ou f/2,8 selon mes objectifs, et j’essaie de saisir la vie qui vibre en… noir et blanc.

La lune s’exprime si bien en noir et blanc… Son fort éclairage dû au soleil perce la nuit et les couches de nuages dessinent des ombres texturées. Canon 5D Mark II, 400 mm, f/5,6, 1/40 s, 1 600 ISO.

J’étais, à ce moment-là, en mode « reportage », avec un réglage des ISO élevés, en mode Priorité ouverture à f/2. Dès que j’ai vu ce personnage éclairé par une péniche en train de passer sous un pont, j’ai levé le boîtier et j’ai eu le temps de prendre quelques clichés. Quelques secondes plus tard, ce jeune homme était à nouveau plongé dans le noir de la nuit. Canon 5D Mark III, 85 mm, f/2, 1/200 s, 6 400 ISO.

La nuit, en argentique. Les pellicules noir et blanc ont toujours leur place dans mon sac photo. J’aime particulièrement les Fuji Neopan Acros 100 pour la finesse des détails et la large gamme de densité qu’elles offrent. Ce film est également bien adapté à la numérisation. Ici une image au format 120, scannée avec un Epson V700. La large palette de gris présente dans le négatif est fidèlement reproduite. Hasselblad H1, Fuji Neopan Acros 100, 100 mm, f/22, 32 s.

Le laboratoire numérique : traiter une image noir et blanc

Les différentes options proposées dans les Styles de prise de vue des appareils sont très limitées et les résultats d’une qualité assez médiocre. Pour être vraiment contrôlé et réussi, le traitement monochrome d’une image numérique doit donc se faire par l’intermédiaire d’un logiciel de traitement.

Dans le chapitre précédent, j’ai évoqué deux possibilités différentes : utiliser les logiciels propriétaires de vos appareils ou des logiciels « tiers ». En noir et blanc comme en couleurs, mon choix se porte sur Lightroom qui offre un large choix en termes de traitement du noir et blanc. Si vous souhaitez réaliser de belles images monochromes, avec un large éventail de nuances de gris et des noirs profonds, riches en détails, je vous conseille fortement (encore une fois !), le format RAW.

Selon la profondeur de couleur de votre capteur, vous pourrez enregistrer de 4 096 (12 bits) à 16 384 nuances de gris (14 bits) en format RAW, quand le JPEG ne retient que 256 niveaux de gris. Il est donc très commun de voir des images JPEG fortement dégradées, présentant des artefacts dans les gris, des cassures dans les nuances, mais aussi du bruit. En définitive, le JPEG noir et blanc se comporte un peu comme le JPEG couleur : on n’a pas vraiment la possibilité de le traiter. Il faut donc se contenter d’une image désaturée à 100 %… Et c’est fort dommage !

Une fois l’image importée dans Lightroom, même si on avait choisi le style d’image Monochrome sur le boîtier, on voit tout de suite que le RAW s’affiche en couleurs. Or, garder les informations couleurs du fichier est capital si l’on veut parvenir à une belle image en noir et blanc. Petit paradoxe du numérique : pour obtenir du vrai noir et blanc, il faut shooter en couleurs.

Avant de passer une image RAW en noir et blanc, il vaut toujours mieux effectuer un traitement de base de l’image en couleurs (dans le module Développement) pour effacer toute dominante due à une balance des blancs erronée, source d’un voile gris affectant le contraste naturel de la scène. Un rattrapage de netteté peut aussi se faire à ce moment, tout comme une éventuelle correction de l’objectif.

Avant de passer l’image en noir et blanc, j’ai préféré rattraper la BdB dans le fichier couleur afin d’éliminer toute sorte de dominante. Une fois passée en noir et blanc, cette dominante deviendrait un voile gris déposé sur les contrastes naturels de la scène. Canon 5D Mark II, 35 mm, f/8, 8 s, 100 ISO.

Lightroom propose différentes méthodes de conversion automatique en noir et blanc. J’utilise l’option NB dans l’onglet dédié à la gestion de la couleur, visible après les réglages de base et les courbes. En cliquant sur NB, l’image se transforme en noir et blanc mais les couleurs restent actives et susceptibles d’être réglées sous forme de mélange de noir et blanc. Cela signifie que les différentes couleurs qui composaient la scène se règlent désormais, à votre goût, en densité de gris (plus au moins foncé, de gauche à droite). Huit tonalités principales sont disponibles. Pour des teintes plus subtiles, utilisez la fonction accessible via le petit symbole, en haut à gauche de l’onglet NB (cerclé en rouge sur l’image ci-contre), qui permet de cibler ces teintes et de modifier leur densité de gris par glissement de votre souris.

Grâce à l’outil Mélange noir et blanc de l’onglet NB, vous pouvez régler finement le rendu des gris de chaque teinte de l’image.

On peut aussi peaufiner l’exposition de l’image d’une manière assez précise avec les curseurs Hautes lumières, Ombres, Blancs et Noirs dans les réglages de base de Lightroom. Si la sous-exposition que je conseille d’appliquer sur le terrain est certainement adaptée pour produire une image assez fidèle de la réalité de la nuit, très souvent, en postproduction, la souplesse du RAW invite à décliner l’exposition selon nos envies. Je me retrouve ainsi souvent à foncer les noirs au cours du traitement afin de donner tout de suite un contraste plus correct. Si nécessaire, j’interviens également avec les curseurs des Hautes Lumières, des Ombres et des Blancs pour retrouver le détail des matières dans ces zones.

Pour harmoniser les différents éclairages de cette image, j’ai d’abord appliqué une sous-exposition de 2 diaphs à la prise de vue car les éclairages étaient assez forts. Une fois la photo débarrassée d’une forte dominante orange visible sur le fichier couleur, je suis passé au noir et blanc. J’ai renforcé les Noirs (-55) pour retrouver le noir du ciel et foncer certains détails sur la gauche. Ensuite, j’ai retrouvé les détails dans les parties claires en poussant les Blancs (+35) et les Hautes lumières (+50). Hasselblad H1-Leaf Aptus 75, 35 mm, f/16, 10 s, 100 ISO.

Le travail sur l’exposition effectué au moment de la prise de vue ne peut aller aussi loin que celui réalisé au post-traitement, puisque les choix du photographe ont alors un impact sur l’ensemble de la lumière – donc de l’image. On applique ainsi une sous-exposition à la prise de vue pour s’approcher d’un bon résultat et garder une meilleure latitude de correction dans Lightroom, mais des réglages plus fins, dédiés aux différentes parties de l’image, s’imposent au moment du traitement.

Soudain poussé par le vent de l’océan, le brouillard se lève, noyant ce village dans une lumière étrange et le sortant d’un noir presque absolu. J’ai retrouvé le rendu de ce moment spectaculaire en agissant sur les 4 curseurs de l’exposition. Comme très souvent dans mes traitements, les curseurs dédiés à un rattrapage global de l’exposition et du contraste sont restés inutilisés. En noir et blanc, dès qu’il faut ressortir des textures de matière ou de lumière, le curseur Clarté trouve sa fonction. Canon 5D Mark II, 35 mm, f/5,6, 30 s, 1 600 ISO.

Aller plus loin avec Silver Efex Pro

Pour amplifier les effets d’une conversion en noir et blanc, il existe des logiciels qui s’intègrent au sein d’un flux de production avec Lightroom. C’est le cas de Silver Efex Pro, outil de conversion noir et blanc très efficace et riche en options, notamment grâce aux célèbres U-points. Ce procédé permet de nombreux réglages sélectifs qui rappellent le travail que l’on fait en chambre noire. Ce logiciel, que j’utilise régulièrement en complément de Lightroom, permet de retrouver d’une manière plutôt convaincante le rendu des pellicules argentiques, mais aussi de créer des bords vintage, ou encore d’analyser et de corriger l’image selon la procédure du Zone System d’Ansel Adams. Le tout en proposant des préréglages esthétiques très intéressants.

Une bonne connaissance des outils logiciels de post-traitement et une certaine expérience dans la prévisualisation des images facilitent le choix du sujet et de sa composition. L’éclairage d’un lampadaire met ici en lumière ce coin perdu. Pour ce style d’image plus reportage qu’architecture, j’aime utiliser les ISO élevés. L’ambiance de ce lieu m’inspire une image plus « sale », mon cadrage se laisse guider par la certitude de convertir cette scène en noir et blanc et le style de traitement à faire en Silver Efex Pro commence à se profiler dans mes pensées. Canon 5D Mark III, 24 mm, f/8, 1/50 s, 3 200 ISO.

La stratification des différents plans de la ville m’a toujours fasciné et donné des envies de noir et blanc. Le chaos des lignes et des éclairages de cette image trouve un équilibre esthétique dans l’absence des couleurs. Le filet d’un train qui passe s’intègre parfaitement à cette trame citadine. J’ai opté pour un léger virage cyan et un bord noir dans l’esprit « argentique ». Canon 5D Mark III, 24 mm, f/8, 1/50 s, 100 ISO.

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Travailler par séries

Nous arrivons au terme de notre balade nocturne. Le moment est venu de laisser de côté les conseils sur le choix du sujet, la maîtrise de la prise de vue ou le post-traitement pour aborder cette vérité : l’image photographique ne trouve pas toujours son aboutissement dans la réalisation du cliché parfait.

La tentation de la « photo sublime » est forte. Une image idéale qui synthétiserait nos envies face à un lieu ou à un sujet qui nous parle et nous attire. Mais je considère la photographie comme un moyen d’écrire qui se montre souvent complexe, une façon de lier différentes images, unies par un sujet, dans une homogénéité visuelle et cohérente.

La photographie nocturne n’échappe pas à cette approche narrative car la nuit ne propose pas seulement des vues inattendues sur l’espace urbain ou des éclairages intimes au milieu de nulle part. La nuit est aussi et surtout un merveilleux terrain d’écriture. Reste à partir à la découverte de lieux qui ne se dévoilent pas en un seul cliché, mais nous inspirent une construction plus vaste, plus complexe.

Au fil du temps, avec la pratique de la photo, émerge un style qui nous est propre, fait d’un certain regard, de sensibilités esthétiques récurrentes, liées à la manière de cadrer, de choisir un sujet plutôt qu’un autre, d’utiliser la même approche au traitement à l’ordinateur… C’est la naissance d’un style.

Comme on l’a déjà dit, si on se laisse le temps d’y retourner plusieurs fois, un même lieu est capable de nous offrir des images très différentes. Ainsi, on va bien au-delà de la surface, on trace des parcours visuels inattendus, on affine notre regard. C’est la démarche idéale si on veut créer une série homogène car le vrai sujet, celui qui donnera la bonne photo, se livre rarement du premier coup. Nous le retrouvons plus souvent, non abouti, une fois qu’on est rentré chez nous et que l’analyse des images produites commence devant l’ordinateur.

Il faut apprendre à bien regarder nos images. Les plus belles nous sautent aux yeux, elles nous donnent envie de passer tout de suite au traitement pour les finaliser, les sublimer. Mais il ne faut pas s’arrêter là, il faut prendre le temps de regarder les autres, toutes les autres, celles qu’on a prises à l’instinct, celles qui ne nous parlaient pas vraiment sur le terrain, mais auxquelles on a quand même accordé tout notre soin à la prise de vue.

Ces images qui nous semblent en peu inachevées, pas vraiment réussies, dont on pense qu’il leur manque quelque chose, il ne faut surtout pas essayer de les « sauver » avec des traitements extrêmes, d’improbables réglages prédéfinis de Lightroom récupérés sur Internet (cas classique trop souvent constaté avec mes stagiaires). Elles ne demandent qu’une seule chose : la suite, c’est-à-dire retourner sur le terrain pour reprendre le fil d’une possible histoire. Retrouver le sujet, le reprendre, creuser la nuit pour découvrir un début, de possibles variations, une fin.

Quand je rentre en métro avec mes stagiaires, après une séance de travail, je les vois toujours regarder leurs images sur leur APN et je leur conseille de ne faire aucun tri important à ce moment-là. Prenez toujours du recul, laissez vos émotions se réorganiser, s’éloigner du moment de la prise de vue. Vous verrez vos images d’une manière plus lucide et plus efficace le lendemain.

Si vous avez du mal à trouver un fil, demandez un avis à ceux qui vous connaissent bien. Montrez les deux, trois, quatre images qui vous semblent raconter une histoire. Même sans aucunes compétences photographiques, vos proches seront probablement capables de déceler l’émotion dans vos images. Il ne s’agit pas de partager un savoir-faire technique, ni une sensibilité esthétique particulière. Il s’agit de se laisser guider par quelqu’un qui nous connaît. C’est souvent suffisant pour qu’on puisse obtenir de précieux conseils.

Évidemment, il faut compter sur un bon nombre d’échecs. Parfois, il m’arrive d’enchaîner plusieurs balades sur un lieu pour récolter de belles images, mais sans lien entre elles. Il arrive également, comme c’est le cas pour moi régulièrement, que l’on pense avoir trouvé un beau sujet autour duquel construire une série forte et homogène et que le lendemain, face à l’ordinateur, nos émotions se soient évaporées.

Si, pour la construction d’une belle image, on peut suivre des codes, quand on s’attaque à une série c’est toujours une question très personnelle, intime, émotionnelle. Il n’existe pas de lieux, ou de typologies de lieux plus au moins propices à trouver et construire des séries. Difficile, voire impossible, de vous donner des pistes à suivre. Comme on le verra dans les exemples que je propose dans ce chapitre, mes sujets s’offrent à moi d’une manière très variée et souvent hasardeuse.

Techniquement parlant, dès qu’une série de photos se met en place, le matériel est le premier élément qui définit une approche esthétique plutôt qu’une autre. Choisir par exemple de travailler au moyen format, au reflex à main levée à 6 400 ISO ou avec un petit appareil compact, implique trois approches très différentes qui pourront donner trois lectures opposées d’un même lieu.

Je me suis trouvé face à ce choix lors d’un voyage à Barcelone. Après une première sortie nocturne qui a donné des clichés spectaculaires comme d’autres tout à fait banals, j’ai décidé de m’approprier la ville d’une manière très différente de ce que proposait sagement mon reflex, sur pied, à 100 ISO. L’ambiance de la cité m’a donné envie de construire une petite série nocturne rapide et furtive. J’ai vite compris que je voulais me passer du pied et que le flou était un élément esthétique propre à décrire l’impression de solitude et de fragilité que, loin des stéréotypes qu’elle évoque, cette ville plongée dans la nuit m’inspirait. Mon petit compact numérique Fuji X10 était l’appareil le plus adapté à ce type d’images.

Une série, c’est avant tout le choix d’un sujet. Pour que ce sujet soit mis en valeur et en évidence, que notre récit soit lisible et homogène, nous disposons de plusieurs outils. Ainsi, le choix d’un boîtier plutôt qu’un autre change notre attitude ; ses caractéristiques et même ses limites techniques influencent nos prises de vue.

Mais d’autres éléments servent de liant à nos images. Au moment du post-traitement, le format, donc le ratio à donner à nos images est certainement la première chose à décider. Que vous optiez pour le carré, le 4:3, le 2:3 ou d’autres encore (16:9, 4:5…), maintenir le même format pour toutes les images d’une série donne un périmètre de lecture assez net, ce qui est fondamental dans la construction et l’homogénéité du regard.

Si vous choisissez le format rectangulaire (que ça soit par exemple le 2:3 ou le 4:3), l’option de cadrer en paysage ou en portrait reste possible sans trop s’éloigner d’une même approche visuelle. Je déconseille fortement de rogner les différentes images d’une manière libre, au cas par cas. Cette technique permet certes de récupérer au mieux chaque image, mais les éloignera du corpus unique qui fait la série.

Autre élément important : le choix entre la couleur et le noir et blanc et celui du traitement à donner à l’image. On n’écrit pas de la même manière en couleurs et en noir et blanc, la perception de la nuit est différente. Évitez de mélanger les deux, votre récit serait moins fort et moins clair.

Pour donner une unité à une série on passe notamment par des outils qui servent à limiter un périmètre de vision, à créer un fil conducteur qui renforce l’homogénéité des images.

C’est souvent par le format que je commence : imposer un seul format à des images différentes est une première étape vers la cohérence. Dans ce cas, c’était sans hésitation le format carré, l’un de mes préférés. J’ai même pu le créer à la source car le Fuji X10 propose différents ratios de format de prise de vue.

Le noir et blanc est évidemment l’autre élément qui donne de la cohérence à cette série. La couleur de la ville n’apportait rien de particulier à mon regard. J’étais plus focalisé sur les différents jeux de lumières et les formes éphémères d’une ville dormante.

Et enfin le flou, élément qui soude différents sujets et cadrages pour une ambiance furtive et intime.

Par ailleurs, travailler avec la même focale, donc la plupart du temps avec des objectifs fixes, nous aide dans la construction d’une histoire. L’angle de la focale, toujours le même, nous amènera, lui aussi, à une certaine cohérence visuelle. J’aime cette option, je l’utilise souvent spécialement avec mon Hasselblad et son 50 mm (équivalent d’un 35 mm au 24 × 36 mm). C’est une focale que j’adore car je vois au 50 mm avec mon moyen format. Je me donne comme défi d’interpréter la nuit avec mon regard naturel, de me déplacer sur le lieu de prise de vue, de trouver le bon angle, de m’adapter, de ne rien forcer dans ma vision de l’espace.

Pour qu’une série soit homogène, il faudra souvent écarter de belles images. C’est le prix à payer. Des images réussies, mais qui nous éloignent du véritable sujet. Des images dont le format ou le traitement ne conviendrait pas, des images qui étoufferaient les autres, affaibliraient la cohérence de la série. Ces images, il faut tout simplement les mettre de côté, vous trouverez certainement l’occasion de les faire exister différemment.

La cohérence de cette série tient au sujet. Je me suis décidé pour un seul format, le 4:3 horizontal car, encore une fois, travailler une série avec le même format offre cette fluidité dans la lecture à laquelle je tiens tant.

Quand j’arrive à créer une belle série, je constate régulièrement l’impossibilité de saisir le meilleur cliché. On a toujours une préférence pour certaines images, parfois celles qui nous ont inspiré la série, mais en général c’est de l’ensemble que nous vient l’émotion.

L’envie de monter une série n’est pas forcement liée à un seul endroit et à la façon de le raconter en images, elle peut aussi venir d’un sujet récurrent dans nos prises de vue nocturnes, d’attirances particulières, comme celle que j’ai pour les arbres, sujet banal, rarement mis en valeur dans la structure du paysage urbain.

J’ai ainsi commencé à construire une série autour de ce sujet (voir pages précédentes). Des images parallèles aux vrais objets de mes sorties nocturnes… En ville, à la campagne ou dans des zones industrielles, je sais que des arbres seront présents avec à chaque fois, selon les saisons, leur façon personnelle de décliner leur silhouette, leurs couleurs, leurs textures.

Détails inattendus, formes abstraites pour une ambiance the day after à la fois effrayante et attirante, très cinématographique. Ici, nulle unité de lieu ou de sujet… Seul point commun, le vide et l’envie de composer avec des sensations face aux matières de la ville, à ses lumières.

Galerie

Les éclairages très riches des monuments de Paris apportent une infinité de détails à l’image nocturne. Il arrive fréquemment que différents plans se superposent, rendant la composition compliquée. Dans ce cas, j’utilise des temps de pose longs qui lissent la surface de l’eau sans ajouter de textures supplémentaires. Canon 5D Mark II, 100 mm, f/22, 30 s, 100 ISO.

Pour ce théâtre, éclairé d’une manière somptueuse, j’ai préféré créer un volet noir afin de ne faire ressortir qu’une partie des éléments. Un choix esthétique personnel, libre interprétation de la réalité visible. Canon 5D Mark III, 140 mm, f/11, 2 s, 100 ISO.

Cette image n’était vraiment pas visible à l’œil nu. L’environnement était sale et poussiéreux, le lieu ne proposait pas beaucoup de couleurs. Puis j’ai remarqué cette canalisation jaune tout près d’un lampadaire. J’ai d’abord pris une image à main levée, juste « pour voir ». Conforté par le résultat, j’ai sagement posé l’appareil sur le pied, soigné le cadrage et appliqué des réglages adaptés à la scène. Au moment du post-traitement, je n’ai pas touché à la balance des blancs car la forte dominante orange présente dans le ciel (due à l’éclairage aux vapeurs de sodium de cette zone industrielle) convenait parfaitement à la chromie de l’image. Canon 5D Mark II, 85 mm, f/16, 15 s, 400 ISO.

Les dernières lueurs d’un crépuscule estival se reflètent dans un lac déjà plongé dans le noir. La vraie nuit semble ne devoir jamais arriver, la palette de couleurs dans le ciel change constamment, tout comme les textures des nuages. Je m’attarde et prends plusieurs clichés aux résultats très différents. Canon 5D Mark III, 16 mm, f/11, 15 s, 100 ISO.

Même avec beaucoup d’expérience, il faut parfois laisser faire le boîtier. Ce lieu ne m’inspirait pas car la lumière semblait faible et plate. J’avais aussi des doutes sur le sujet à mettre en valeur. J’ai finalement décidé de me méfier de mes impressions et j’ai pris cette image. J’aime la façon dont les différentes silhouettes du premier plan se mêlent au fond dans cette lumière très douce. Et, pour une fois, la forte dominante orange des éclairages industriels donne un résultat agréable. Canon 5D Mark II, 35 mm, f/5,6, 25 s, 100 ISO.

Pour cette photo, j’ai initialement traité la Balance des blancs, l’Exposition et la Clarté dans Lightroom. J’ai ensuite importé l’image dans Silver Efex Pro 2 où j’ai choisi un rendu argentique Kodak 400 TMax, renforcé par un bord d’image noir irrégulier. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 50 mm, f/11, 16 s, 100 ISO.

Silver Efex Pro propose de nombreuses options de virages monochromes. Personnellement, je trouve l’effet sépia plus agréable et moins banal sur des sujets nocturnes à fort contraste. Dans ce cas, un effet sépia assez marqué crée un contraste agréable avec la matière brillante des poteaux en métal. J’ai ajouté un bord noir assez irrégulier semblable à celui que l’on peut obtenir en chambre noire. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 35 mm, f/16, 10 s, 100 ISO.

Attiré dans un premier temps par la structure et la matière du pont, j’ai vite réalisé que d’autres éléments méritaient également mon attention. La perspective bien sûr, mais aussi les différentes variations de couleurs du lieu, dues à des éclairages assez variés. Enfin, l’utilisation d’un grand-angle m’a permis de faire cohabiter tous ces sujets dans un même cadrage. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 50 mm, f/16, 50 s, 100 ISO.

Je suis toujours un peu surpris de voir comment les éclairages de la nuit peuvent se présenter d’une manière aussi efficace, comme s’il y avait une régie derrière… Ici, dans cette centrale de béton, la structure en métal est bien mise en valeur par un éclairage direct. L’arrière-plan présente une touche de lumière bien nuancée et la présence de l’eau ajoute des reflets et des textures en bas de l’image. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 35 mm, f/11, 32 s, 100 ISO.

Deux fenêtres étrangement allumées dans des buildings abandonnés, plongés dans le noir. Au moment de la prise de vue, je n’ai pas pu m’empêcher de penser au célèbre film de Fritz Lang, Metropolis, inspiration concrétisée au moment du traitement final de l’image. Hasselblad H1-Leaf Credo 60, 50 mm, f/11, 64 s, 100 ISO.

Les trottoirs et les lieux de passage, qui connaissent une fréquentation incessante dans la journée, se vident enfin la nuit. Le calme et le silence favorisent les formes simples et incitent aux cadrages épurés. Ici, un lampadaire et son cône de lumière offrent une image graphique et dépouillée. Canon 5D Mark III, 35 mm, f/11, 13 s, 100 ISO.

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